Probablemente la inmediatez sea una de las grandes enemigas del ejercicio crítico, es por esto que preferimos llegar tarde pero llegar bien, en especial si se trata de seleccionar nuestras cintas favoritas de un año tan bueno en el cine como lo fue 2024.
Para elaborar la lista nos guiamos por la fecha de estreno que cada película tuvo en nuestro país. Si bien cintas 2023 como Poor Things quedaron seleccionadas para nuestra lista del año pasado, otras —también de ese año— aparecen en esta selección por su estreno durante febrero, pese a ya haber participado en los Premios Oscars anteriores (Anatomía de una caída y Zona de Interés). Por otro lado, algunas de las obras elegidas sólo tuvieron estreno por streaming (Jurado N°2) o, incluso, llegaron solamente en blu-ray (I Saw the TV Glow).
En cualquier caso, les podemos asegurar que está lista fue cuidadosamente creada y debatida para intentar abarcar la mayor cantidad de estilos y géneros posibles sin volvernos locos en el intento. Sabemos que nos faltaron o que posiblemente no estén de acuerdo con algunas, pero ese es el objetivo de Revista Matadero: conversar y eventualmente debatir.
Esta selección fue un esfuerzo colectivo de un equipo selecto de matarifes que está compuesto por: Judith Herrera, Valentina Tagle, Alex Miranda Henríquez, Diego Chávez Cádiz y Sergio Bazaes.
Los Colonos
Dirección: Felipe Gálvez
Fecha de estreno: 18 de enero 2024 (Chile)
País: Chile
Producción: Quijote Films – Rei Cine – Quiddity Films – Volos Films – Cinema Inutile – Ciné Sud Promotion – Snowglobe Film – Film I Väst – Finite Films – Sutor Kolonko
Los Colonos (2023), ópera prima de Felipe Gálvez, nos deslumbró al recibir el primer galardón para una cinta chilena en Cannes, el premio de la crítica especializada. Con un recorrido exitoso por festivales, se convirtió naturalmente en nuestra representante a los Premios Oscar. Incluso, logró una distribución internacional gracias MUBI con estreno comercial en más de 20 países. Algo inusual para el cine chileno.
Es que Los colonos es una cinta poderosa que impacta en todo momento. Desde los impresionantes paisajes de la Patagonia (muy bien aprovechados), hasta la crudeza de un western que se basa en el genocidio del pueblo Selk’nam. Una película que permite sentir el colonialismo y la cacería de los pueblos originarios en Tierra del Fuego.
Del mismo modo, ofrece un visionado reflexivo con una mirada crítica a nuestra historia oficial. Resulta inevitable preguntarse ¿Quiénes son los salvajes?
– Sergio Bazaes Castillo
Anatomía de una caída
Dirección: Justine Triet
Fecha de estreno: 23 de agosto 2023 (Francia) – 1 de febrero 2024 (Latinoamérica)
País: Francia
Producción: Les Films Pelléas – Les Films de Pierre
Pareciera que Anatomía de una caída (2023) pasó hace más tiempo que un solo año, y es que la cinta llegó durante la temporada de premios a nuestro país, haciendo de 2024 el año de su “debut oficial” en nuestras salas. Por lo mismo, pareciera que la conversación sobre el film escrito y dirigido por Justine Triet ya pasó hace tiempo, porque vaya que hablamos de ella: ¿era culpable o no? ¿Has visto la gran actuación de Sandra Hüller? ¿de dónde sacaron a ese niño que es tan buen actor? ¿Sabías que el nombre del perro en realidad es Messi? ¿Te has preguntado alguna vez si tu generosidad esconde algo más sucio y malvado?
Anatomía de una caída, para mí, junto con La zona de Interés, son dos películas que marcaron el final de 2023 y el comienzo de 2024 como obras importantes, de las que se seguirá hablando en el futuro. En el casó de esta película francesa, su gran plus fue hacer una cinta completamente intrigante y al mismo tiempo sumamente profunda en su forma de mostrar las relaciones humanas bajo distintos puntos de vista y frente al escrutinio público de un juicio relevante para la nación.
A más de un año de su estreno, se mantiene como una película que funciona en otro nivel, donde habitan solo las grandes obras que pueden hacer coexistir la genialidad narrativa con la cinematográfica. Quizás sus dos horas treinta minutos puedan ser un obstáculo para muchos, pero esa paciencia se ve recompensada en una cinta que sigue apareciendo en tu cabeza mucho después de salir de la sala de cine, y que fue precisamente una de las razones por las que tanto hablamos de ella en su momento.
– Alex Miranda Henríquez.
Cuando acecha la maldad
Dirección: Damián Rugna
Fecha de estreno: 9 de noviembre 2023 (Argentina) – 8 de febrero 2024 (Chile)
País: Argentina
Producción: Shudder Films – Aramos Cine – La Puerta Roja – Machaco Films
Un pueblo perdido de la pampa argentina se convierte en el escenario de un mal ancestral en Cuando acecha la maldad (2023), dirigida por Demián Rugna. Todo comienza con un cuerpo moribundo poseído por un demonio, un «embichado», que se convierte en una bomba de tiempo para quienes lo rodean. Dos hermanos, Pedro (Ezequiel Rodríguez) y Jimi (Demián Salomón) cometen el error de involucrarse y desatan una carrera a contrarreloj para deshacerse de la maldición. Al hueso, simple, y brutal: así arranca el filme que ya es el largometraje de terror más visto en la historia de Argentina.
Aunque se mueve en la misma cancha de los clásicos del género, Cuando acecha la maldad apuesta por el horror visceral y una narrativa donde la idiosincrasia rural y los mitos locales son tan importantes como los sustos. La película construye su tensión sobre un terreno que resulta familiar para cualquier espectador latinoamericano, con un imaginario campesino —ese del “pueblo chico, infierno grande”— consigue una autenticidad que rara vez se ve en este tipo de cine.
Pero además del relato de posesiones y demonios, nos muestra como Pedro, el protagonista, carga con sus propios conflictos internos: sus vicios, su resentimiento y el dolor de tener un hijo con discapacidad, algo que no ha logrado aceptar totalmente. La amenaza del embichado avanza omnipresente, pero el duelo interno de Pedro es lo que da al filme un peso emocional mayor. Y al final, Rugna nos recuerda que el verdadero peligro no siempre viene de lo que acecha fuera, sino de los demonios que llevamos dentro.
– Aldo Vidal.
Zona de Interés
Dirección: Jonathan Glazer
Fecha de estreno: 15 de diciembre 2023 (Estados Unidos) – 15 de febrero 2024 (Chile)
País: Reino Unido – Polonia – Estados Unidos
Producción: A24 – Film4 – Access – Polish Film Institute – JW Films – Extreme Emotions
El pasado 27 de enero se conmemoraron 80 años de la liberación de los prisioneros del campo de exterminio de Auschwitz-Birkenau en 1945, hito que trasciende el hecho específico y que ha sido un recordatorio de los horrores nazis, los cuales se esperan no vuelvan a suceder. 11 años después de este hito Alain Resnais estrenaría Nuit et brouillard (Noche y Niebla, 1956), el que en 32 minutos se convertiría en la primera producción audiovisual en tratar estos temas y que daría paso a una serie de otros filmes y documentales que intentarán mostrar la cara de los peores actos del siglo XX. 68 años después de la hazaña de Resnais llegó The Zone of Interest (La Zona de interés, 2024) de Jonathan Glazer, que buscó darle en pantalla otra vuelta al nazismo, a partir de una estética basada en la distancia.
La historia nos habla sobre la vida de Rudolf Hoss (Christian Friedel), su esposa Hedwing (Sandra Hüller) y sus cinco hijos quienes viven en una casa colindante al campo de concentración y exterminio de Auschwitz del cual Rudolf es el comandante. La película se establece entre lo que se observa y lo que no, pero esto último se puede oír y por lo tanto sentir, lo que finalmente podría establecerse como un revés político, estableciendo la óptica en la vida privada de una familia nazi “exitosa” la cual pareciera estar dentro de una burbuja de perfección: una gran casa, asistencia doméstica, hijas e hijos sanos, un patio con piscina, un huerto, un jardín y estabilidad económica.
Los cimientos de esta ideología de la destrucción es todo lo que se construye a través del exterminio que no logramos observar, la bifurcación de esta estética de la distancia (más allá de humo de las grandes chimeneas del campo de exterminio), es que en todo momento estamos oyendo desde fuera de campo gritos desgarradores, ruidos de fusiles y sirenas. Sabemos lo que está ocurriendo, miles de judíos están siendo brutalizados, pero la perfección de la fotografía no permite que vayamos a los hechos específicos, siendo molesto pensar en cómo alguien puede vivir una vida tranquila y franqueable al lado del horror cristalizado.
Lo interesante de la película de Glazer es materializar esta estética, mantener al espectador lejos de los hechos, pero a la vez cerca desde el sonido, entonces ¿Qué es lo que la distancia quiere establecer? Sin duda la respuesta a esto es localizable en la historia de la humanidad, el clásico “hacer oídos sordos” a una serie de problemáticas contundentes y que aquejan a la humanidad. En otro tiempo fueron los campos de exterminio nazis, hoy sin duda ocurre lo mismo, claro ejemplo es lo que ocurre en Gaza, donde hay gente brutalizada, pero hay quienes prefieren vivir en una burbuja, una estética de la distancia que se aferra de forma lamentable a la humanidad. Zona de Interés no es solo un trabajo sobre el pasado, sino que (lamentablemente) también un tratamiento sobre el presente.
– Diego Chávez Cádiz.
Días perfectos
Dirección: Wim Wenders
Fecha de estreno: 22 de diciembre 2023 (Japón) – 15 de febrero 2024 (Chile)
País: Japón – Alemania
Producción: Master Mind – Spoon – Wenders Images
Probablemente esta sería la gran película del año para la plataforma Mubi si no fuera porque también estrenaron La Sustancia. Días Perfectos (2023) se tomó el comienzo del año convirtiéndose en una de las cintas más recomendadas por el boca en boca y hasta llegó a tener una exhibición al aire libre en el marco del Mubi Fest Chile 2024.
La combinación entre una historia sencilla y un personaje principal contemplativo —caracterizado por un excelente Kôji Yakusho (Babel, Cure)— hacen de la nueva película de Wim Wenders un oasis en el desierto del hastío social y la alienación post-capitalista. Si bien a primera vista puede parecer una cinta que romantiza la pobreza (críticas que vimos en redes sociales) al final termina revelándose como un cuestionamiento constante sobre qué hace feliz a la gente y qué tanto de eso es directamente proporcional a la sociedad en la que vive.
Días Perfectos terminó convirtiéndose en una de las mejores cintas del año, ya que al igual que su personaje principal, Hariyama, esta obra se toma su tiempo. Uno sale de la sala de cine con ganas de vivir la vida de forma distinta, y en estos tiempos eso debe ser uno de los mayores halagos que puede recibir una película.
– Alex Miranda Henríquez.
Dune: Parte Dos
Dirección: Denis Villeneuve
Fecha de estreno: 29 de febrero 2024 (Estados Unidos – Chile)
País: Estados Unidos
Producción: Warner Bros. – Pictures Legendary Pictures
No puedo hablar de Dune: Parte Dos (2024) sin recordar cuántas veces la vi en el cine: más de los dedos que tengo en las manos. No fue por casualidad ni por capricho (quizás un poquito de lo último), sino porque la película de Denis Villeneuve es una de esas experiencias cinematográficas que realmente merecen ser vistas en la pantalla más grande posible, idealmente en IMAX.
Villeneuve, quien ya había sorprendido con su adaptación de Dune en 2021 (y con varias otras maravillas de la sci-fi como Blade Runner 2049 o Arrival), logra cerrar la historia del ascenso de Paul Atreides con un final cargado de tensión, épica y un desarrollo de personaje fascinante. Paul, interpretado por Timothée Chalamet, pasa de ser un desterrado a un líder mesiánico cuyo destino es inevitable. Su venganza por la destrucción de la Casa Atreides no es solo un acto de justicia, sino también el cumplimiento de una profecía que se entrelaza con su propia identidad.
Algo que hace que Dune: Parte Dos resuene es su ritmo, su enfoque en la construcción de un mundo complejo y sus impresionantes escenas de acción. Hay una sensación de grandeza en cada fotograma, algo que quizás no ocurría desde los tiempos de El Señor de los Anillos a comienzos de los 2000.
Pero la película no solo brilla en lo visual. Su capacidad para condensar la complejidad de la obra de Frank Herbert es admirable. A pesar de la densidad de la novela original, la película logra traducir sus temas centrales —poder, destino, religión y manipulación—en una historia accesible sin perder profundidad.
En un año como 2024, donde varios de los mayores fracasos cinematográficos provinieron de franquicias desgastadas o superproducciones sin alma, Dune: Parte Dos se siente como una anomalía refrescante y un ejemplo de que el público aún responde a historias bien contadas y visualmente impactantes.
– Judith Herrera.
La Quimera
Dirección: Alice Rohrwacher
Fecha de estreno: 23 de noviembre del 2023 (Italia) – 4 de abril 2024 (Chile)
País: Italia – Francia – Suiza
Producción: Tempesta – Rai Cinema – Ad Vitam Production – Amka Films Productions – RSI Radiotelevisione svizzera – SRG SSR – Arte France Cinéma
Una de las mejores películas del año pero que no pudo terminar de conseguir el reconocimiento popular del público: La Quimera (2023) llegó a Chile de la mano del Centro Arte Alameda, que ha apostado por buenas cintas en el último tiempo y que consiguió poner en la palestra este proyecto italiano protagonizado por Josh O’Connor y dirigido (además de escrito) por Alice Rohrwacher.
Si bien la nostalgia fue un tema relativamente recurrente en las películas de 2024, La Quimera se demora en desplegar su idea, tomándose su tiempo para unir las historias de estos ladrones de tumbas (tombaroli) con el espectador, que puede terminar siendo el ladrón o la víctima de sus propios recuerdos.
Al comienzo podemos ver a nuestro protagonista soñando (¿o recordando? ¿es distinto?) para ser rápidamente devuelto a la vigilia por un golpe de realidad. Al final, cuando uno termina la película —después de estar tan sumido en este mundo onírico— sale con la sensación de que vio algo más grande de lo que se entiende al comienzo, algo parecido a lo que pasa después de ver 8 ½ de Fellini.
– Alex Miranda Henríquez.
(Lee nuestro ensayo de La Quimera escrito por Diego Chávez Cádiz)
Guerra Civil
Dirección: Alex Garland
Fecha de estreno: 18 de abril 2024 (Reino Unido – Chile)
País: Reino Unido – Estados Unidos
Producción: A24 – DNA Films – IPR.VC
La película de Alex Garland dividió a los espectadores que más bien esperaban una historia basada en lo que ocurre hoy en Estados Unidos, donde la guerra cultural ya ha alcanzado proporciones aterradoras (y como no, viendo quien asumió la presidencia y su mano derecha). Pero Civil War (2024) reflexiona más allá de los problemas políticos actuales para centrarse en la experiencia de lo que es seguir un conflicto de esa magnitud para contar su historia desde una mirada periodística.
El film se enfoca en un grupo de periodistas y activistas que intentan documentar la destrucción y el caos en un país sumido en el conflicto. Garland ofrece una historia que se aleja del clásico enfoque de la guerra, se inmiscuye en las repercusiones emocionales y sociales que deja una nación dividida y la ruptura de su tejido social.
Kirsten Dunst, en el papel principal como Lee Smith, una fotógrafa de guerra que intenta dar testimonio de los horrores que atraviesa el país, entrega una de sus actuaciones más complejas atrapada entre la urgencia de su trabajo, su humanidad y el burnout que la acecha.
Lejos de ser una película sobre héroes y villanos, su punto está en las consecuencias. Por algo el conflicto no se resuelve con victorias militares, sino que con la lenta pero constante erosión de los principios fundamentales que sustentan la sociedad.
– Judith Herrera.
Historia y Geografía
Dirección: Bernardo Quesney
Fecha de estreno: 18 de abril 2024 (Chile)
País: Chile
Producción: Equeco
Una de las pocas películas chilenas que llegó a esta selección, y no es por nada. Historia y Geografía de Bernardo Quesney toma personajes conocidos de la fauna nacional cultural y les hace una radiografía en vivo en una comedia de equivocaciones impulsadas por el ego.
Después de las votaciones de apruebo y rechazo por una nueva Constitución, una película que se centre en dos personajes con visiones de mundo tan distintas pero al final tan parecidas, es un acierto enorme. Si bien el personaje de Amparo Noguera está creado para caer mal, el de Catalina Saavedra parece buscar siempre la superioridad moral que su contraparte desprecia una y otra vez. Esta conjunción de miradas termina creando un microcosmos en el San Felipe donde se desenvuelven, dando una idea acertada de lo que es habitar este Chile absurdo.
Y es que Historia y Geografía es una gran fotografía nacional, pero lo que la eleva por sobre el montón es su increíble capacidad de seguir encontrando el humor en las situaciones más tensas o incluso derechamente malas. Además, la película también funciona como un estudio de dos personajes que uno puede encontrar muy fácil en el mundo audiovisual y cultural actual: el que se vende rápido y el revolucionario que solo apunta a su nicho.
– Alex Miranda Henríquez.
The Iron Claw
Dirección: Sean Durkin
Fecha de estreno: 22 de diciembre de 2023 (Estados Unidos) – 18 de abril 2024 (Chile)
País: Reino Unido – Estados Unidos
Producción: Access Entertainment – BBC Film – House Productions
The Iron Claw (2023), dirigida por Sean Durkin, traza un drama biográfico sobre la trágica historia de la familia Von Erich, una de las dinastías más icónicas y malditas en la historia de la lucha libre profesional. La película sigue a los hermanos Von Erich—liderados por Kevin (Zac Efron)—mientras luchan por la gloria en el ring y por sobrevivir bajo la enorme presión impuesta por su padre, Fritz Von Erich (Holt McCallany).
Sin embargo, más allá del espectáculo deportivo, la historia revela el peso de la «maldición» que parece perseguir a los personajes, marcados por tragedias familiares, expectativas inalcanzables y una masculinidad tóxica que define sus vidas. Sean Durkin logra capturar la intensidad y el drama de los Von Erich con una dirección sobria pero emocionalmente devastadora. Zac Efron sorprende con su actuación, encarnando de manera mesurada a un hombre quebrado por la pérdida y el sacrificio.
The Iron Claw no solo es una exploración del mundo de la lucha libre, sino también un retrato sobre la presión familiar, la fragilidad emocional y el peso de los legados.
– Judith Herrera.
Challengers
Dirección: Luca Guadagnino
Fecha de estreno: 26 de abril 2024 (Estados Unidos – Chile)
País: Estados Unidos
Producción: Metro-Goldwyn-Mayer Pictures – Why Are You Acting? – Frenesy Film Company – Pascal Pictures
Challengers (2024) fácilmente fue una de las películas del año, lo que hace muy sorprendente su falta de nominaciones a los premios Oscars 2025, sobre todo porque una de las cosas que la hace sobresalir frente a otras, es su capacidad de usar de formas precisas e inventivas, cosas básicas que toda película debería saber usar. Quizás habrá más de alguno que no se sienta cómodo con este Luca Guadagnino más autoconsciente de sus elecciones directorales por sobre las emotivas, pero es una de las razones por las que se siente tan fresca.
La música de la cinta puede parecer simple al comienzo, efectista incluso, pero a medida que la misma historia va creciendo y las apuestas son más grandes, la música va calando cada vez más hondo. Lo mismo pasa con la posición de los tiros de cámara, que pasan de unos atrapantes primeros planos de los dos protagonistas a tomás desde abajo de la cancha y la locura que es esa cámara en la pelota de tenis.
Como si esto fuera poco, la historia también logra entregar un arco dramático simple pero efectivo, un triángulo amoroso que termina siendo revelado (una vez más) por un simple gesto que —al menos en la función de cine donde la vi— hizo a todos sacar un sonido de sorpresa, pese a que probablemente todos sabíamos lo que pasaría.
– Alex Miranda Henríquez.
Amor, Mentiras y Sangre
Dirección: Rose Glass
Fecha de estreno: 8 de marzo del 2024 (Estados Unidos) – 2 de mayo del 2024 (Chile)
País: Reino Unido – Estados Unidos
Producción: A24 – Film4 – Escape Plan – Lobo Films
Las salas de cine pedían a gritos una película de acción como las ochenteras. Esas donde los cuerpos sudaban, los crímenes eran a sangre fría y los protagonistas resistían hasta el final por lo que creían justo. Rose Glass escuchó este llamado y decidió darle un poco de su propia cosecha con Love Lies Bleeding (2024): un thriller-noir-lésbico que tiene a Kristen Stewart en el mejor momento de su carrera y, a su vez, nos presenta a la estrella en ascenso Katy O’Brian, como la pareja que buscará hacer el bien, no sin antes tratar de rehuir de su destino.
La película se enmarca justamente en la Era Reagan, un ambiente próspero para la inequidad donde las protagonistas, cada una con una misión (Stewart: sacar a su hermana de una relación abusiva y O’Brian: ganar un concurso de fisicoculturismo) se enamoran y descubren a porrazo limpio que en este mundo abandonado de la mano de Dios se tienen la una a la otra y nada podrá detenerlas, ni siquiera un villano que come bichos y estila un peinado chocopanda.
Puro esteroide y resplandor. En caso de que se preguntaran si ya no las hacen como antes.
– Valentina Tagle.
I Saw the TV Glow
Dirección: Jane Schoenbrun
Fecha de estreno: 3 de mayo del 2024 (Estados Unidos)
País: Estados Unidos
Producción: A24 – Fruit Tree – Smudge Films – Hypnic Jerk – Access Entertainment
Con la muerte de David Lynch mucho se ha conversado sobre lo que significa o cómo se consigue lo lynchiano. Según la definición del escritor David Foster Wallace, el término “alude a un tipo particular de ironía donde lo muy macabro y lo muy rutinario se combinan de tal forma que revelan que lo uno está perpetuamente contenido en lo otro”.
Bajo esa definición, I Saw the TV Glow (2024), escrita y dirigida por Jane Schoenbrun, es la película más lynchiana de los últimos años. Con un nivel de desparpajo para tomar decisiones fuera de norma, y una historia que se pierde entre la ficción, lo onírico y el espacio que podríamos llamar nostálgico, esta cinta termina encontrando sus propios códigos para presentar una de las experiencias cinematográficas más ricas del 2024.
Lamentablemente la película no llegó a salas chilenas, así que terminó quedando relegada a un consumo más de nicho, pero el boca en boca ha sido grande e interesante, en especial por su concepto de aceptar quien uno es antes de que sea demasiado tarde. Incluso Martin Scorsese salió a decir lo mucho que le había gustado la cinta. Y además de todo eso, nunca antes se había visto a Justice Smith actuando tan bien.
– Alex Miranda Henríquez.
Monkey Man
Dirección: Dave Patel
Fecha de estreno: 5 de abril del 2024 (Canadá) – 16 de mayo del 2024 (Chile)
País: Canadá – Estados Unidos
Producción: Universal Pictures – Bron Studios – Thunder Road Films – Monkeypaw Productions – Minor Realm – S’YA Concept – WME Independent – Creative Wealth Media
En su debut como director, Dev Patel no solo asume el rol principal en Monkey Man (2024), sino que también se embarca en una travesía visual y narrativa que busca ir más allá de las convenciones del cine de acción, como alguna vez hace ya más de una década lo hizo la gloriosa John Wick (2014).
La película, que mezcla el thriller psicológico con el drama social, sigue a un hombre recién liberado de prisión, conocido como “Kid”, quien regresa a una India marcada por la desigualdad, la violencia y la corrupción. El mismo Kid parece reflejar la sociedad rota en la que vive y a medida que la historia avanza, se descubre que su lucha por redimirse está tan marcada por el pasado como por el caos que lo rodea.
La dirección de Patel es brillante y es que su habilidad para entregar el conflicto emocional y psicológico de Kid está equilibrada por momentos de acción de alta intensidad. Patel utiliza la violencia no solo como un medio de entretenimiento, sino como un reflejo de la deshumanización del personaje principal.
Además, India, con su caos urbano y su lucha constante por el equilibrio social, se convierte en un personaje más y se presenta como un lugar de conflicto constante donde los sueños se rompen y las oportunidades parecen fuera de alcance. El entorno no solo define a Kid, sino que también actúa como una metáfora de su propio estado mental: fragmentado, agitado y perdido.
– Judith Herrera.
Furiosa: A Mad Max Saga
Dirección: George Miller
Fecha de estreno: 23 de mayo del 2024 (Australia – Chile)
País: Australia – Estados Unidos
Producción: Warner Bros. Pictures – Kennedy Miller Mitchell – Domain Entertainment
En 2014 hubo una película que sorprendió a todos: Mad Max: Fury Road. En una era de cintas de superhéroes visualmente oscuras y frías, la obra de George Miller brilló. Por eso es que el spin off centrado en Furiosa, coprotagonista en Fury Road, era tan esperado, y si bien la taquilla no ayudó, para los fans —y la crítica—, la película fue resplandeciente.
Interpretada en esta versión por Anya Taylor-Joy y dirigida también por Miller (la mente detrás del universo del guerrero del desierto), la cinta se distingue por su vasta amplitud visual y su desértico paisaje, un escenario salvaje e implacable donde no hay espacio para la debilidad. Chris Hemsworth, quien interpreta a Dementus, el antagonista, ofrece una actuación compleja: lejos de ser el villano tradicional, su personaje es impredecible, a veces carismático y otras, inquietante.
El guión se adentra en la lucha interna del personaje principal, ofreciéndonos un retrato más matizado de su mundo. Lejos de ser una simple historia de venganza, se trata de una reflexión sobre la opresión, el sacrificio y la búsqueda de autonomía en un mundo donde la violencia parece la única respuesta. Y aunque es menos frenética que Fury Road, las secuencias de combate están tan meticulosamente diseñadas que, incluso en sus momentos más fuertes, la película mantiene su elegancia visual.
– Judith Herrera.
Late Night With the Devil
Dirección: Colin Cairnes – Cameron Cairnes
Fecha de estreno: 22 de marzo del 2024 (Estados Unidos) – 18 de julio del 2024 (Chile)
País: Australia – Estados Unidos – Emiratos Árabes
Producción: Image Nation Abu Dhabi – VicScreen – AGC Studios – Cinetic Media – Good Fiend Films – Future Pictures – Spooky Pictures
Dirigida por los hermanos Cameron y Colin Cairnes, Late Night With the Devil (2023) nos sumerge en lo que podría ser el programa de televisión más aterrador e inquietante jamás concebido. Presentada como un falso documental, la película reconstruye el infame episodio de Halloween del programa nocturno Night Owls with Jack Delroy, un show que en los años 70 aspiraba a destronar al todopoderoso The Tonight Show de Johnny Carson. Sin embargo, lo que debía ser un golpe maestro en la batalla por la audiencia se convierte en una de las mayores tragedias jamás vistas en un set de televisión.
El filme se despliega como un registro inédito de la transmisión en vivo de aquella fatídica noche. Con público en el estudio y un grupo de excéntricos invitados —expertos en ciencias ocultas, cazadores de lo paranormal y, como clímax, una niña acosada por supuestas entidades demoníacas—, el programa rápidamente toma un giro siniestro. Mientras el animador interpretado por David Dastmalchian, intenta aprovechar las extrañas situaciones para ganar audiencia, se desdibujan los límites entre el espectáculo y el horror.
Late Night With the Devil es un imperdible del 2024 porque además de un thriller sobrenatural de ritmo impecable, también es una mordaz crítica al sensacionalismo televisivo y al insaciable morbo de las audiencias. Es una propuesta original que juega con el suspenso y el miedo latente de lo inevitable, mientras nos mantiene al borde del asiento esperando que el terror aparezca frente a las cámaras.
– Aldo Vidal.
El Mal No Existe
Dirección: Ryusuke Hamaguchi
Fecha de estreno: 26 de abril del 2024 (Japón) – 1 de agosto del 2024 (Chile)
País: Japón
Producción: NEOPA Inc.
Siempre se ha dicho que la película que un director hace después de ganar un Oscar es la que realmente quiere realizar, la más interesante, a la que hay que ponerle ojo. Ryûsuke Hamaguchi, el recordado director de Drive my car (2021), estrenó este 2024 Evil Does Not Exist, una película todavía más contemplativa, si es que es posible, que su premiada predecesora. En su nueva propuesta, Hamaguchi se toma un pequeño y apartado bosque japonés para hablar de las asperezas de la naturaleza, ese mundo para el cual el hombre de ciudad no está preparado y del cual caerá presa cada vez que intente colonizarlo.
Takumi es un viudo que vive con su hija de 8 años. Como miembro activo de su comunidad asiste a una reunión donde una empresa les presenta un proyecto de glamping (un camping glamoroso) que se instalará cerca de sus casas. Tanto él como sus vecinos expresan su preocupación por las consecuencias que el sitio tendrá en sus delicados sistemas de agua, pero la empresa no está pidiendo permiso: el glamping se construirá si o si.
Una película que hace tanto con los silencios como con los vacíos, y que presenta una naturaleza amoral y aterradora, pero bella y cíclica en contraposición con la fachada corrompida de la gran ciudad.
– Valentina Tagle.
La Trampa
Dirección: M. Night Shyamalan
Fecha de estreno: 1 de agosto del 2024 (Estados Unidos – Chile)
País: Estados Unidos
Producción: Blinding Edge Pictures
Trap (2024) de M. Night Shyamalan, es un thriller psicológico que sigue a Cooper (Josh Hartnett), un padre que lleva a su hija adolescente a un concierto de esos estilo Taylor Swift. Pero lo que parece una simple salida familiar da un giro cuando se revela que el evento es en realidad una elaborada trampa del FBI para capturar a su peligroso alter-ego: un asesino en serie conocido como El Carnicero.
Lo que sigue es un juego del gato y el ratón en el que Cooper intenta evadir su captura mientras el público, ajeno a la situación, disfruta del espectáculo. Shyamalan utiliza una puesta en escena que contrasta el concierto con la claustrofobia de la cacería policial. En ese escenario Josh Hartnett brilla en su papel, encarnando a un personaje que oscila entre lo carismático y lo amenazante, mientras la tensión crece con cada revelación.
La pongo entre mis destacados no porque sea una excelente película, Shyamalan tiene mejores, sino porque logra su propósito: entretiene. El film permite relajarse, desconectar esa parte del cerebro que está preguntando “¿por qué?” y simplemente disfrutar de un Hartnett que lo da todo con en cada vuelco de la historia.
– Judith Herrera.
Tipos de Gentileza
Dirección: Yorgos Lanthimos
Fecha de estreno: 21 de julio del 2024 (Estados Unidos) – 29 de agosto del 2024 (Chile)
País: Irlanda – Reino Unido – Estados Unidos
Producción: Element Pictures – Film4 – TSG Entertainment
Después de unos años de coqueteo con el mundo más mainstream del cine con sus premiadas La Favorita (2018) y Poor Things (seleccionada en la lista de favoritas del 2023 de Matadero), Yorgos Lanthimos vuelve a sus obras más abstractas y provocadoras con Tipos de Gentileza (2024), una suite de tres historias diferentes, todas protagonizas por lo mismos actores en papeles distintos, y tomando sin asco la posta del absurdismo de Bertol Brecht.
A esta altura no es sorpresa ver a una Emma Stone desatada en su actuación, pero es impresionante como el rango de Jesse Plemons puede seguir expandiéndose y sorprendiendo. Y ni hablar de Willem Dafoe, quien a pesar de ser un casting seguro, logra dar a sus personajes un sentimiento de goce de vivir en esta realidad alterna creada por el director griego, como si sus personajes siempre supieran que están en una ficción escrita en un guión.
Si bien puede ser una experiencia que deje perplejos a muchos, Tipos de Gentileza tiene un discurso claro y marcado que hila las tres historias: los extremos a los que estamos dispuestos a llegar los humanos por la conexión con otro, y cómo una mirada tan aguda puede entregarse en un paquete tan absurdo. Estas cosas, más que hablar de su director, terminan haciendo eco en los espectadores por el contexto social en el que se estrena. Por los tiempos absurdos que nos terminó tocando navegar.
– Alex Miranda Henríquez.
La Sustancia
Dirección: Coralie Fargeat
Fecha de estreno: 19 de septiembre del 2024 (Reino Unido – Chile)
País: Francia – Reino Unido
Producción: Working Title Films – Blacksmith
Entre las películas más discutidas de 2024, La Sustancia (2024, Coralie Fargeat) marca el regreso triunfal de Demi Moore en un papel que redefine su carrera. Moore interpreta a una exestrella del entretenimiento que, tras décadas de ser venerada por su belleza y carisma, es relegada por una industria obsesionada con lo nuevo.
En el ocaso de su fama, su personaje encuentra una tentadora solución: «la sustancia«, un tratamiento que permite que emerja de su cuerpo una versión joven y sensual de sí misma. Sin embargo, el efecto es efímero: dura solo una semana, y luego debe descansar otros siete días antes de volver a renacer como su alter ego.
Lo que sigue es una espiral de confrontaciones entre ambas versiones de la misma mujer, una batalla literal y simbólica que explora las tensiones entre identidad, envejecimiento y autopercepción de la imagen. Con una puesta en escena grotesca y terrorífica, La Sustancia no da respiro al espectador. Es una pesadilla estilizada que culmina en un desenlace brutal y sin concesiones, donde la sangre y el caos alcanzan proporciones operísticas. Un espectáculo hipnótico y perturbador que pone sobre la mesa una pregunta incómoda: ¿hasta dónde estamos dispuestos a llegar para seguir vigentes?
– Aldo Vidal.
La Bestia
Dirección: Bertrand Bonello
Fecha de estreno: 7 de febrero del 2024 (Francia) – 26 de septiembre del 2024 (Chile)
País: Francia – Canadá
Producción: Les Films du Bélier – My New Picture – Sons of Manual – Arte France Cinéma – AMI Paris
La Bestia en la Jungla es una novela de 1903 escrita por Henry James que toca temas como la soledad, el destino y el amor. Tomando esta historia como inspiración, el director italiano Bertrand Bonello —junto a los guionistas Benjamin Charbit y Guillaume Bréaud— crearon una historia que presenta a dos personas que se conocen y mantienen distintos tipos de relaciones humanas a lo largo de tres épocas distintas: el pasado, el presente y el futuro.
Con toques de ciencia ficción y mucha imaginación, La Bestia (2023) es un ejercicio narrativo intenso pero que paga con creces al comentar sobre la relación extrema que puede llegar a haber en las relaciones hombre y mujer actuales (incluso lanzando sobre la mesa el tema del machismo y el incelismo) además de presentar una distopía futurista en la que parece que el amor es la única respuesta (¿o acaso no es así?).
Demás está decir que las actuaciones de Léa Seydoux como Gabrielle y George MacKay como Louis son espectaculares, logrando mover a sus personajes a los distintos contextos y extremos que el guion necesita. Si bien la cinta podría haber sido más corta y concisa, cuando se trata de ideas tan grandilocuentes lo mejor es dejar que la obra se presente lo más cercana posible a lo que imaginaron sus creadores, y bajo ese prisma, La Bestia es una de las películas más logradas de 2024.
– Alex Miranda Henríquez.
Robot Salvaje
Dirección: Chris Sanders
Fecha de estreno: 26 de septiembre del 2024 (Estados Unidos – Chile)
País: Estados Unidos
Producción: DreamWorks Animation
Si 2024 contó con una película animada de esas que te hacen llorar y sonreír, no fue Disney su productor, sino que Dreamworks. Robot Salvaje (2024) de Chris Sanders, se enfoca en Roz (Lupita Nyong’o), una robot que tras naufragar despierta en una isla sin humanos y llena de vida silvestre. Sin entender cómo llegó ni cuál es su propósito, debe aprender a sobrevivir en un entorno hostil donde los animales la ven como una intrusa, hasta que comienza a formar lazos con ellos, en especial cuando adopta y cría a un pequeño ganso llamado Brightbill (Kit Connor).
Lo que hace especial a Robot Salvaje no es solo su premisa, sino la forma en que explora la relación entre tecnología y naturaleza. La película no se limita a ser una simple historia de aventuras, sino que se adentra en temas como la identidad, la inteligencia artificial, el instinto maternal y la conexión entre seres vivos.
Visualmente, es una obra bellísima. La animación logra capturar la majestuosidad de la naturaleza con un estilo detallado y vibrante, transmitiendo tanto la crudeza de la vida en la isla como su belleza.
– Judith Herrera.
Look Back
Dirección: Kiyotaka Oshiyama
Fecha de estreno: 28 de junio del 2024 (Japón) – 10 de octubre del 2024 (Chile)
País: Japón
Producción: Studio Durian
Es difícil olvidar a esa amiga con la que se fue niña juntas. Cómo descubrieron que les gustaban las mismas cosas, se reían de las mismas tonteras, pasaban los días acompañadas, se enamoraban de otros y a veces entre ellas. Los años pasan y nada parece tan puro como esa primera amistad. Look Back, basada en la obra del mangaka Tatsuki Fujimoto (autor también de Chainsaw Man) y dirigida por Kiyotaka Oshiyama es todo eso y más.
Dos chicas, Fujino y Kyomoto, ambas de apariencia distintas pero cósmicamente complementarias, entablan una relación de años inspirada en su gusto mutuo por el dibujo. Se convierten en algo así como pequeñas celebridades del manga local a través de sus publicaciones hasta que el destino de manera inevitable las separa.
Con una duración acotada, pero potente, Oshiyama y compañía nos rompen el corazón demostrando que incluso cuando ya no existe, nadie puede robar el tiempo que compartieron juntas. Es una historia sobre el amor al arte y a seguir dibujando sin importar qué pase. Una pequeña lloradita y a seguir.
– Valentina Tagle.
Anora
Dirección: Sean Baker
Fecha de estreno: 18 de octubre del 2024 (Estados Unidos) – 31 de octubre del 2024 (Chile)
País: Estados Unidos
Producción: FilmNation Entertainment – Cre Film
Junto a La Sustancia, Anora (2024) debe ser la cinta donde la pasé mejor en el cine. Uno de los grandes méritos que una película puede tener en este tiempo de fácil acceso a la información, es el poder congregar a personas dentro de un lugar para proyectar una historia. Mayor es la gracia si esa historia parece conquistar el corazón de todos en la función.
Con una mezcla de estilos que van desde el drama de clase, la comedia negra, el slapstick e incluso el cuento de hadas, el director y guionista Sean Baker consiguió producir uno de los grandes aciertos del último tiempo. No es fácil hacer que una audiencia pase de las risas más desatadas a la desesperanza más profunda. Viendo la filmografía de Baker hacía atrás, se puede ver el camino recorrido hasta llegar a este punto culmine: las historias de trabajadorxs sexuales, el humor pasado de moda pero efectivo, la inclinación por el cuento de hada en formato live-action, la presencia constante de la lucha de clases y el estudio de personaje. Todo confluye en Anora.
También hay que destacar precisamente las actuación que le dieron vida a complejos arquetipos que deben enfrentarse a las situaciones que la sociedad los pone, intentando sobrevivir a base de sueños e impetuosidad. Cada personaje que parece tener el poder queda eclipsado por otro que tiene aún más poder. Al final, todos hemos sido Anora en algún momento.
– Alex Miranda Henríquez.
Jurado N°2
Dirección: Clint Eastwood
Fecha de estreno: 1 de noviembre del 2024 (Estados Unidos – Chile)
País: Estados Unidos
Producción: Warner Bros. – Dichotomy Films – Malpaso Productions
¿Se han fijado lo mucho que los cinéfilos repiten la frase “ya no hacen películas así”? pues pocas veces se ha podido decir esa frase con tanta claridad como con Jurado N°2 (2024). A sus 94 años, Clint Eastwood sigue buscando retratar la sociedad donde se desenvuelve, colocando personajes complejos en situaciones aún más complejas. Un poco como Black Mirror pero sin la parafernalia y el ocasional sermón.
Hace tiempo que el mainstream hollywoodense se está alejando de los dramas y thrillers que exploran los lados grises de la sociedad, en este caso, la justicia como la conocemos. Una suerte de justicia real contra justicia judicial, que comienza como una historia que bebe muchísimo de 12 Hombres en Pugna pero que termina dando el giro a algo mucho más actual como lo es el “deber ser” en una sociedad individualista.
Aquí Eastwood plantea preguntas incómodas que un elenco estelar desarrolla a lo largo de un excelente guión. Y hablando del elenco, es difícil pensar que esta película solo tuvo un estreno en streaming (HBO Max) en vez de en pantalla, especialmente si pensamos en que tiene a Toni Collette y J.K. Simmons como secundarios. Y eso es sin mencionar a Nicholas Hoult, que entre esta cinta y Nosferatu está entrando por la puerta ancha al panteón de los mejores actores de su generación.
– Alex Miranda Henríquez.
Heretic
Dirección: Scott Beck – Bryan Woods
Fecha de estreno: 8 de noviembre del 2024 (Estados Unidos) – 5 de diciembre del 2024 (Chile)
País: Estados Unidos
Producción: Beck/Woods – Shiny Penny Productions – Catchlight Studios
Hugh Grant por mucho tiempo se mantuvo como el rey de la comedia romántica con hits como Notting Hill (1999) o Cuatro Bodas y un Funeral (1994), por eso es que verlo como un villano de terror —más allá de su experiencia como un imbécil en El Diario de Bridget Jones (2001), o el malo de Paddington 2 (2017)— fue un gusto.
Heretic (2024), dirigida por Scott Beck y Bryan Woods, es un thriller de terror psicológico que explora la fe, la manipulación y el enfrentamiento entre creencias opuestas, mediante la historia de dos jóvenes misioneras mormonas que, en una noche de tormenta, llegan a la casa del enigmático Sr. Reed, interpretado por Grant. Lo que comienza como una conversación aparentemente inofensiva sobre religión y convicciones se convierte en un juego psicológico donde la duda, el miedo y la vulnerabilidad de las protagonistas quedan expuestas.
En lugar de depender de sustos fáciles o efectos visuales exagerados, Heretic apuesta por una tensión constante y un guión cargado de diálogos afilados. Hugh Grant sorprende con su personaje ambiguo, cuya presencia genera una sensación de amenaza latente, pero sin necesidad de recurrir a la violencia directa.
Lo que distingue a Heretic de otros thrillers de terror es su enfoque en la tensión psicológica y su crítica a los sistemas de creencias cerrados. La película plantea preguntas sobre la fe ciega, el control y la necesidad de certezas en un mundo caótico.
– Judith Herrera.
Queer
Dirección: Luca Guadagnino
Fecha de estreno: 27 de noviembre del 2024 (Estados Unidos) – 12 de diciembre del 2024 (Chile)
País: Italia – Estados Unidos
Producción: Fremantle North America – The Apartment Pictures – Frenesy Film Company
Queer (2024) es el segundo estreno este año de Luca Guadagnino tras una exitosa Desafiantes (Challengers, 2024), las que se suman a éxitos como Call Me by Your Name (2017) e incluso un estremecedor remake del clásico Suspiria (2018) de Dario Argento. Para la crítica, Queer está por debajo de la mencionada Desafiantes, que mantiene elementos comunes como el guión de Justine Kuritzkes (a partir de la novela homónima de William Burroughs) y también una banda sonora orquestada por la dupla Trent Reznor y Atticus Ross. Incluso la crítica también ha hablado de la gran cantidad de temas que intenta tratar y que pareciera quedan a medio filo.
La defensa de Queer se establece en cómo nos vinculamos con el resto, donde muchos pregonan discursos desde el ego, desde la autoprotección y que dan como resultado el que algunas vidas valen mucho más que otras, lo que es una aberración. Se crítica la vida actual, la velocidad en la que transitan las personas, la poca empatía que se establece en diferentes vínculos, todas y todos estamos criticando siempre la peor versión del resto. Sin embargo, en las diversas formas de existir, hay quienes en su transitar se han encontrado con un “oasis”, tal como si caminaran por un desierto desolador, donde esta suerte de oasis también una tregua, un refugio contra los contratiempos de la vida, como lo dice la segunda acepción de la palabra.
Lee (Daniel Craig) está intentando calzar su vida a través de contactos efímeros que terminan en malos tratos, burlas, murmullos, entre otras actitudes negativas. Estas son las respuestas de su búsqueda y no hablamos de un villano, sino de alguien noble, cándido y que derrocha amabilidad. A pesar de todo pareciera que el tiempo apremia, algo que está marcando una presión interna, su tiempo se está agotando pero no se logra observar, pero si sentir hasta en los surcos de su rostro.
Esta búsqueda del oasis es de un cuerpo cansado que necesita seguridad pero que fracasa dentro de una incomprensión que las personas no se detienen a pensar ni tampoco quieren ver. Todo esto pareciera que cambiará al conocer a Eugene Allerton (Drew Starkey). Lo que comienza con un tímido acercamiento de parte de Lee a Eugene, se transformará en un espiral de deseo, muchas veces mutuo, que se irá bosquejando con mezquindad, miedo y un amor no correspondido.
– Diego Chávez Cádiz.
(Este es un extracto de nuestra reseña más larga que puedes leer aquí)
Cómo ser millonario antes de que muera la abuela
Dirección: Pat Boonnitipat
Fecha de estreno: 4 de abril del 2024 (Tailandia) – 19 de diciembre del 2024 (Chile)
País: Tailandia
Producción: Jor Kwang Films
Antes de ver Cómo hacerse millonario antes de que muera la abuela (2024) sabía que iba a llorar. El título me lo decía todo ¿Por qué hacerme eso? El nombre me enganchó. Y si bien lloré, también me reí y disfruté de la catarsis emocional que te entrega este tipo de película cuando está bien hecha.
La historia dirigida por Pat Boonnitipat sigue a ‘M’ (Putthipong Assaratanakul), un joven perezoso y quejoso, quien se entera de que su abuela padece una enfermedad terminal. Viendo una oportunidad, decide abandonar su fallida carrera como streamer para hacerse cargo de ella con la esperanza de heredar su millonaria fortuna.
Sin embargo, ganarse el afecto de la abuela no es fácil. Mengju (Usha Seamkhum) es una mujer fuerte, exigente y extremadamente difícil de satisfacer. Además, ‘M’ no es el único que tiene planes de convertirse en el heredero, algo que rearma su paradigma de prioridades y le hace entender que en su corazón egoísta sí hay espacio para el altruismo y el cariño.
– Judith Herrera.
Nosferatu
Dirección: Robert Eggers
Fecha de estreno: 25 de diciembre del 2024 (Estados Unidos) – 2 de enero del 2024 (Chile)
País: Estados Unidos – República Checa
Producción: Maiden Voyage Pictures – Studio 8 – Birch Hill Road Entertainment
Desde que Robert Eggers (director de La Bruja, El Faro y The Northman) anunció que estaba trabajando en una nueva adaptación de Nosferatu, se convirtió en una de las películas más esperadas para el equipo de Revista Matadero.
Inspirada en la novela Drácula de Bram Stoker, la película de 1922 tuvo que bautizarse como Nosferatu en un intento fallido por evadir los derechos de autor, pero con ese movimiento terminó creando un personaje distinto que con cada nueva versión ganó más historia que lo distingue del conde original de Stoker.
Con esta nueva presentación, Eggers logra seguir expandiendo el lore de Nosferatu, tratando de marcar aún más las diferencias con Drácula. Si bien hay guiños a la historia original —y hasta existe una conversación compartida con Bram Stoker’s Dracula (1992) de Coppola— al final son las visiones de Murnau y Herzog las que nutren esta pesadilla psicosexual en la que se terminó convirtiendo el mito del Conde Orlok.
Si bien al comienzo es Nicholas Hoult el protagonista de la obra, es su esposa Ellen, encarnada por Lily-Rose Depp, quien termina acaparando el foco de atención con una actuación desbordada pero efectiva.
No es una cinta perfecta y tiene ciertos ripios de los que uno podría quejarse (como la ya muy vista imagen de la mujer oprimida por el corset como símbolo de la sociedad), pero la verdad es que no hay problemas lo suficientemente notorios como para quitarle mérito a la obra, que termina haciendo un cruce perfecto entre novedad en una historia vieja (ya quisieran Hollywood) al mismo tiempo que no sacrifica la espectacularidad visual de sus imágenes (ya quisieras Wicked).
– Alex Miranda Henríquez.
A Real Pain
Dirección: Jesse Eisenberg
Fecha de estreno: 1 de noviembre del 2024 (Estados Unidos) – 23 de enero del 2024 (Chile)
País: Polonia – Estados Unidos
Producción: Topic Studios – Fruit Tree – Rego Park – Extreme Emotions – Searchlight Studios
Desde hace años que Jesse Eisenberg me ha parecido un buen actor, La Red Social (2010) lo demuestra e incluso su Lex Luthor da señales de lo que podría entregar en un mundo donde sí hubiese tenido buen material. Pero conocerlo en su faceta de guionista y director permite revisar su real talento: todo lo que logra con A Real Pain (2024), una exploración de la memoria, la identidad y el trauma generacional.
La película sigue a dos primos, David (Eisenberg) y Benji (Kieran Culkin), quienes viajan a Polonia para honrar la memoria de su abuela, una sobreviviente del Holocausto. Lo que comienza como un recorrido pronto se convierte en un viaje de confrontación personal, donde las diferencias entre ambos se vuelven cada vez más evidentes.
Lo que destaca en A Real Pain es su capacidad para equilibrar la comedia incómoda con el drama sin perder autenticidad, además de un guion que juega con la dinámica entre los primos: David es reservado, meticuloso y neurótico, mientras que Benji es impulsivo y emocionalmente extremo.
¿Cómo procesan las nuevas generaciones el dolor heredado? ¿Hasta qué punto el pasado define quienes somos? A través de la relación entre los primos, la película aborda estas cuestiones con una mezcla de ternura y crudeza.
– Judith Herrera.
