En Matadero no nos rige el tiempo. Recién terminamos la ardua labor de REALMENTE escuchar los discos del año 2024 y así poder elegir nuestra lista de nuestros 30 favoritos. Y es que la inmediatez ha estado haciendo del ejercicio crítico algo cada vez más fútil, pero en esta revista nos negamos a caer en esos juegos.
Para elaborar esta completa lista nos guiamos por la fecha de estreno que cada disco tuvo. No hay orden de preferencia, no es un ranking, sino que un ejercicio que nace de nuestro amor por la música y las constantes ganas de descubrir nuevos sonidos.
A pesar de eso, les podemos asegurar que esta lista fue cuidadosamente pensada y debatida para intentar abarcar la mayor cantidad de géneros posibles.Sabemos que hay discos que faltan o que probablemente algunas de nuestras elecciones no les agrade, pero esto es parte del objetivo de Revista Matadero: conversar y eventualmente debatir.
Esta selección fue un esfuerzo colectivo de un equipo selecto de matarifes que está compuesto por: Seba Amado C., Pablo “Alga” Rojas, Barbara Carvacho y Alex Miranda Henríquez.
I Got Heaven
Artista: Mannequin Pussy
Fecha de estreno: 1 de marzo
Discográfica: Epitaph
Producción: John Congleton
“Quiero ser un peligro, quiero ser adorada”, canta Missy Dabice en ‘Loud Bark’, segunda canción de I Got Heaven, probablemente la letra que representa de mejor forma la constante contradicción, rabia y calentura sexual presente en casi todo este elepé. Si buscáramos el eslabón anterior de este tipo de sonido, donde temas suaves pero poderosos coexisten con la música más ruidosa y punk, llegaríamos al Live Through This (1994) de Hole: otra obra que apunta sin vergüenza a sus contradicciones y siempre sale airosa de la comparación.
Quienes buscan honestidad genuina en los tiempos actuales pueden distinguirla a leguas de distancia, y no hay que ser un genio para darse cuenta que Mannequin Pussy está en esa misma búsqueda. Por un lado hay canciones como ‘OK? OK! OK? OK!’, cantada por el bajista Colins Regisford: una mirada masculina a la calentura, demostrando que la confianza y la dominación en la cama no necesariamente tienen que venir desde un lugar agresivo. Y en contraste hay momentos como ‘Split Me Open’, un cierre de disco que a primera escucha puede tratarse sobre por fin conocer a alguien con quien tienes química sexual, pero en una segunda lectura habla de lo violento (en el buen sentido) que puede ser encontrarse con una persona que esté dispuesta a abrirse contigo, aunque ese momento dure sólo una noche.
En esta búsqueda interminable del conocerse a uno mismo es importante entender todos los aspectos que forman el ser, incluso esas partes que no nos gusta ver. Eso no solo está presente en las letras descarnadamente honestas del álbum, sino también en la amplia variedad de estilos musicales que abarca. El sonido de las guitarras es lo que mantiene unido este collage de experiencias y frustraciones condensadas en 30 minutos de música.
– Alex Miranda H.
Maquillada en la cama
Artista: Juliana Gattas
Fecha de estreno: 7 de marzo
Discográfica: Sony Music Argentina
Producción: Álex Anwandter
No debe ser fácil ser una de las dos caras visibles de Miranda!, posiblemente la banda de pop más reconocida de Argentina en este siglo. Pero a pesar de no sentir ninguna presión real por crear música solista, el 2024 vio el primer disco en que la vocalista firmaba sólo como Juliana Gattas: Maquillada en la cama, un caramelo pop comandado musicalmente por el chileno Álex Anwandter, pero que recoge parte del imaginario Gattas para encontrar su estilo, tanto narrativo como estético.
“Yo no sé si tenía ganas de hacer un disco solista porque sí, pero sí quería hacer un disco con Álex (…) Yo fantaseo siempre con hacer otras cosas: cantar otras músicas, bailar y actuar. Siempre quiero abrir mi mundo hacia otro lado”. Esas fueron las palabras que usó Gattas para hablar de su debut solista con el suplemento argentino Página 12. Y, si bien la producción de Anwandter parece un poco demasiado para sus temas, el concepto de esta diva pop dramática-pero-complaciente genera una fusión perfecta con los acordes del chileno.
Puede que Maquillada en la cama no arriesgue demasiado en ninguno de sus frentes, pero está creado con un nivel de detalle y honestidad que es difícil pasar por alto. Mientras otros estrujan su cerebro buscando palabras grandilocuentes para dar sus mensajes, Juliana Gattas solo necesita un par de anécdotas para crear un personaje novedoso pero que, al mismo tiempo, todos hemos visto en el carrete. El centro de una fiesta a la que ella probablemente ni asista.
– Alex Miranda H.
The Collective
Artista: Kim Gordon
Fecha de estreno: 8 de marzo
Discográfica: Matador
Producción: Justin Raisen – Sadpony
Sí lo lynchiano es donde lo mundano encuentra lo macabro, The Collective es el álbum más lynchiano del 2024. El nuevo disco de la ex Sonic Youth continúa demostrando que ella fue y sigue siendo la miembro más importante de ese cuarteto conocido por romper los parámetros establecidos en la música de guitarras, pero que una vez disuelto no pudo seguir transgrediendo reglas. Mientras Steve Shelley se dedicó a formar parte de proyectos ya creados, Lee Ranaldo a experimentar con los confines de las cuerdas y Thurston Moore a hacer más pesado y rápido el sonido de su banda madre, Kim Gordon expandió su lienzo al mainstream, demostrando (aunque no necesitara hacerlo) todo lo que puede entregar su impresionante mente.
A los 71 años la cantante decidió seguir con el productor de su primer disco solista, Justin Raisen (Lil Yachty, Sky Ferreira), pero esta vez terminaron creando beats que combinan el trap con la electrónica más industrial. The Collective es una cacofonía tan ensordecedora que demanda atención, y sus detalles electrónicos dan una pista sobre la temática del álbum: los tiempos modernos, llenos de redes sociales atrofiando nuestro cerebro un post a la vez, y de una toxicidad masculina que suele esconderse bajo la “performatividad” del hombre moderno.
La combinación de este sonido completamente avant garde con voces inexpresivas crea un aura que se ajusta de forma precisa a estos años, ya sea en la corriente de la conciencia (‘BYE BYE’, ‘Psychodelic Orgasm’) o en momentos más directos como ‘I’m a Man’, que bien podría ser una respuesta a las excusas masculinas representadas por el ‘’Cause I’m a Man’ de Tame Impala. Completamente ajena a quienes buscan demostrar su estatus cool a través de su presencia online o sus recientes cambios de actitud, Kim Gordon continúa dejando en claro que el trono no sólo le pertenece, sino que ni siquiera tiene que esforzarse por conseguirlo.
– Alex Miranda H.
Audio Vertigo
Artista: Elbow
Fecha de estreno: 22 de marzo
Discográfica: Polydor
Producción: Craig Porter
Han pasado más de quince años desde que Elbow asegurara su lugar en el cancionero popular británico con su cuarto álbum, The Seldom Seen Kid (2008). El conjunto inglés bien podría haber pasado el resto de su carrera componiendo variaciones de ‘One Day Like This’ o ‘Grounds for Divorce’, y nadie se hubiera quejado. En cambio, se ha mantenido en una constante búsqueda creativa que ahora deviene en su décima entrega: Audio Vertigo.
Celebrado por muchos como el mejor lanzamiento del quinteto desde su explosión mediática, es sin duda una obra que muestra otro cariz de la banda. Hay un tempo distinto, más urgente, más incierto. “We live in a troubling age”, dice el inicio de ‘Her to the Earth’, y tal pareciera que este puñado de canciones fuera una respuesta directa, una reacción visceral al estado del mundo.
Guy Garvey canta sobre bares (‘Knife Fight’) y drogas (‘The Picture’) en un viaje que pasa por Blackpool, Estambul y Ciudad de México. Cuestiona su identidad en ‘Things I’ve Been Telling Myself for Years’, añora en ‘Lovers’ Leap’. Es una búsqueda interna y externa que finalmente remata con ‘From the River’: un compendio de lecciones aprendidas y una oda a quienes están dispuestos a seguir adelante sin importar las caídas. ¿Qué más se puede hacer en una era como ésta?
– Seba Amado C.
Diamond Jubilee
Artista: Cindy Lee
Fecha de estreno: 29 de marzo
Discográfica: Realistik
Producción: Patrick Flegel – Steven Lind
Tras seis discos, este proyecto liderado por el alter-ego drag del músico Patrick Flegel deja claro que no está buscando la perfección. Las más de dos horas de duración que tiene Diamond Jubilee son una hipérbole en tiempos de gratificación instantánea, una que exige ser tomada en cuenta y antagoniza directamente con los tiempos que corren. El mero hecho de que sea tan exitosa y no esté disponible en Spotify dice mucho de una actitud anti sistémica que se ve reflejada en 32 canciones pop con una factura lo-fi que dejaría loca a cualquier banda indie de comienzos del milenio.
Si bien no teme ser una obra grandilocuente, es necesario decirlo con todas sus letras: es un álbum que está lejos de ser perfecto pero, al mismo tiempo, es un milagro que no parece ser real en tiempos de streaming, una suerte de piedra rosetta que llega en un excelente momento. Mientras pareciera que el formato largaduración de a poco está dejando de ser importante, Cindy Lee apuesta por un proyecto donde puedes perderte. No puedo decirte los nombres de las canciones que me gustan, pero probablemente podría reconocer la melodía de cada una.
Diamond Jubilee es un disco de esos que convierten a una persona normal en un melómano: un concepto interesante y poderoso, respaldado por canciones de tan buena confección que el oyente no puede dejar de sentirse fascinado por las decisiones tomadas. Un titán muy suave que quiere ser descubierto, pero que necesita paciencia para que lo hagan. A primera escucha parece una locura que no debería funcionar, pero rápidamente se convierte en una obsesión que no deja de aparecer en tu cabeza. Como un buen plato de comida. Como una película de la que no puedes dejar de hablarle a tus conocidos.
– Alex Miranda H.
Only God Was Above Us
Artista: Vampire Weekend
Fecha de estreno: 5 de abril
Discográfica: Columbia
Producción: Ariel Rechtshaid – Ezra Koenig – Rostam Batmanglij – Chris Tomson
Basta escuchar un par de veces Only God Was Above Us para apreciar que es uno de los mejores trabajos de Vampire Weekend. Una obra que está en el mismo nivel de la primera trilogía de la banda, recuperando esa garra de antaño. Hay baterías descompasadas, arreglos de cuerdas, teclados disonantes que no desentonan en nada, ritmos caribeños, mood veraniego para canciones que no hablan de esa estación; y la voz de Ezra Koenig en el centro. Todo lo que nos gusta de ellos, en versión 2024.
Los demás integrantes también están presentes, con Christopher Tomson teniendo un rol preponderante. Sin embargo, es el productor Ariel Rechtshaid (quien ha trabajado en algunos de los discos más interesantes de la década pasada, incluyendo el excelente Modern Vampires of the City de 2013) quien le da un sonido más especial a este álbum. El tipo de verdad sabe qué elementos destacar, cómo acomodar las piezas y qué debe ir en cada pista, e incluso acompaña en los teclados (reemplazando en la práctica a Rostam Batmanglij).
Hay temas interpretados con melancolía, como las tremendas ‘Classical’ (cuya letra tiene cada vez más sentido en los tiempos en que vivimos), ‘Capricorn’ o ‘Hope’, que cierra esta entrega de forma magistral. También está ese sonido de su primer trabajo, con las baterías yendo fuera de compás en ‘Connect’ mientras los teclados se van tomando todo. Es una obra concisa, tal como en sus mejores tiempos (y en contraste con su predecesor, Father of the Bride): diez canciones y 40 minutos.
Only God Was Above Us es, sin duda, un inesperado y gran retorno de los vampiros, con algunos de los mejores arreglos que nos ha entregado su exquisito catálogo. Éste es el verdadero inicio de la nueva etapa de Vampire Weekend: una demostración de que, si bien uno de sus integrantes claves ya no está, el resto puede seguir trabajando en perfecta sincronía.
– Pablo “Alga” Rojas
Baño María
Artista: CA7RIEL & Paco Amoroso
Fecha de estreno: 17 de abril
Discográfica: 5020 Records
Producción: CA7RIEL – Camilo Zea – Casta – DVLP – Federico Vindver – Felipe “Pipe” Bernal – Manuel Gattoni – Sir Nolan – Slow Mike – Taiko & Xay
Una telenovela sudamericana hecha en Miami para convertirse en éxito. Antes del Tiny Desk, un par de amigos que se conocían desde el cole apostaron por des-argentinizar la famosa movida urbana, poniéndole todas las pizcas que ese guiso necesitaba para ser un deleite internacional. No por nada, meses después, se convirtieron en un fenómeno en el pequeño escritorio.
Primero, en abril del 2024, la dupla (con formación melómana mucho más cercana a Spinetta que a Daddy Yankee) presentó su debut en conjunto. El estilo sonoro gotea: recién salidos del jacuzzi, los artistas que ya pavimentaban buenas carreras en solitario se animaron para una experiencia nocturna. Un álbum que recorre una noche de drogas, baile, moteles, batas, mujeres, hombres, humos, dembow y referencias generacionales.
Realizado durante un par de días en un campamento en Estados Unidos, a un ritmo muy distinto a las composiciones que hacían después de clases cuando tenían 16 años, Baño María se desplegó como una metralleta de doce lugares seguros pero sabrosos. ¿Y quién no ha comido lo mismo tres días seguidos? La estampa trasandina brilla mientras apuestan por despersonalizar los “vos” y los cheísmos, sin olvidar su rol cercano al rap, haciendo alusión a contingencias como el caso de Natacha Jaitt.
Colabs con reinas del pop local y perreitos cortos bien centroamericanos, pero también esa estela que bien tiene posicionada a la región: trap y coros inolvidables. Si no, pregúntenle al fenómeno ‘El Único’, la versión moderna y tiktoker de ‘Ella y Yo’ o, por qué no, ‘The Girl Is Mine’ de Michael Jackson con Paul McCartney. Este guiso se cocinó rápido en una máquina de producción, pero su reposo paciente, a buen Baño María, terminó explotando igual. Tarde o temprano todos llegaron a cucharear, hasta tu tío fan del Tiny Desk de C. Tangana.
– Barbara Carvacho
KOKAENLAPIPA
Artista: LonelyFriendly
Fecha de estreno: 20 de abril
Discográfica: Independiente
Producción: ???
Es un debut, es un alter ego, es un viaje completo. Directamente desde Arica, LonelyFriendly le dio justo al medio con algo novedoso en tiempos donde todo es igual. Hazte a un lado, ‘Gata Only’, porque si queremos cavar en las napas del rap, de lo urbanizado, y por ende sus calles –aunque sean digitales–, esta joven ofrenda está a otro nivel.
Lo-fi como nos gusta. Directo como nos gusta. Sensorial y confuso, nebuloso y ensoñador. Es coca en la pipa y nos preguntamos si habrá algo más idiosincrático de nuestro norte que esa experiencia. Es local, recorre experiencias de las juventudes chilenas sub-20, de un sol que no da tregua, de un desierto lleno de secretos. Sin embargo, el músico desdibuja identidad con una muestra abstracta en clave cloud rap, incluso pop hipnagógico, por qué no vaporwave. Pero este vapor es de coca, no de pito, y marca densidad.
Los guiños van desde el jazz hasta el garage británico, pasando por el hip hop más gringo y actual. KOKAENLAPIPA es un viaje digno de un remake de Pánico y Locura en Las Vegas, si quisiéramos que su locación fuera el Morro de Arica. Hay dolor, hay historia, hay malos olores, traiciones y precarización. También hay excelente conexión a internet, muy buenos referentes e ingenio para samplear; y, por sobre todo, ese gustito esperanzador post viaje. Muy chileno, muy dispuesto a volver al círculo vicioso de dar otra quemada y reemplazar la ilusión por atrape. Un disco para aspirar, toser, tomar agua y repetir.
– Barbara Carvacho
Hyperdrama
Artista: Justice
Fecha de estreno: 26 de abril
Discográfica: Genesis – Ed Banger Records – Because Music
Producción: Justice
A mediados del año pasado el mundo volcó su atención a los Juegos Olímpicos de París, una estupenda excusa para celebrar la música francesa: Gojira la rompió, Phoenix hizo gritar a los millenials y Air demostró que su sonido es inmortal. Y por supuesto, no faltaron los viudos de Daft Punk, autoconvenciéndose (sin mayor evidencia) de que la banda haría acto de presencia.
Dicho eso: efectivamente, hubo un gran vacío en esa instancia. Una dupla que ha dejado una huella indeleble en la electrónica pero que, aún ahora, continúa siendo descartada por el recuerdo de otra banda. Irónico, considerando que en abril presentaron uno de los mejores discos del 2024.
Con una galería de invitados cuyo rango abarca desde Miguel hasta Connan Mockasin (pasando por Thundercat y los omnipresentes Tame Impala), Hyperdrama es un acierto por donde se le mire. Escuchar el álbum entero es un deleite sensorial, pero al desgranarlo aparecen hits indiscutibles (‘Saturnine’, ‘One Night/All Night’) junto a canciones que sólo crecen con cada oída (‘Neverender’, ‘Mannequin Love’).
Los viudos seguirán de luto. Es su derecho. Pero una cosa es innegable: tras el regreso de Justice, el house francés está en buenas manos.
– Seba Amado C.
Nonetheless
Artista: Pet Shop Boys
Fecha de estreno: 26 de abril
Discográfica: Parlophone
Producción: James Ford
Probablemente el mejor álbum que Pet Shop Boys ha lanzado en el siglo 21, Nonethleess toma la clásica mirada nostálgica de esas bandas veteranas que buscan mantenerse a flote, e imbuye en esa idea un montón de reflexiones nuevas que contrastan la actual sabiduría de Neil Tennant y Chris Lowe con las juventudes actuales.
Mientras ‘New London Boy’ habla sobre la llegada de un pueblerino a la ciudad que se pregunta si aquí todos son gays, ‘A New Bohemia’ comenta las dificultades para adaptarse a lo que sea que es considerado hoy cool. Ideas que podrían funcionar tanto en los ‘80 como ahora. Pero también hay otra faceta del disco que toma temáticas históricas y las convierte en himnos sobre el pequeño individuo en la gigante y aplastante sociedad: desde la historia del bailarín de ballet Rudolf Nureyev que escapó de la Unión Soviética para seguir su sueño (‘Dancing Star’) hasta una canción sobre el guardaespaldas de una figura semejante a Trump, que sabe que tendrá que dar su vida por este ser despreciable y lleno de odio (‘Bullet for Narcissus’).
Por otro lado, ‘The Schlager Hit Parade’ cuenta cómo el pop explota en una ciudad alemana de postguerra, creando una suerte de himno festivo que tiene mucho sarcasmo encima y fácilmente se podría terminar leyendo de forma incorrecta. Una de las pocas fallas de esta obra que, por suerte, no le resta a su potencia total. Nonetheless encuentra su fortaleza en las baladas electro-pop reminiscentes de sus primeros trabajos, viéndolos con nostalgia pero sin caer en el autoplagio.
Pareciera que, después de las entregas más bailables y festivas que Stuart Price produjo entre el 2013 y el 2020, Pet Shop Boys entendió que el derecho a existir y festejar de la comunidad LGBT+ ya está ganado, por lo que ahora representan el orgullo en forma de reflexiones incisivas sobre cuál es el rol de la comunidad en una sociedad cada vez más individualista y fascista. Algo que ya hicieron en sus comienzos y que, por suerte, no han olvidado.
– Alex Miranda H.
Fearless Movement
Artista: Kamasi Washington
Fecha de estreno: 3 de mayo
Discográfica: Young – Shoto Mas Inc.
Producción: André 3000 – Tony Austin – BJ the Chicago Kid – Ronald Bruner Jr. – George Clinton – Brandon Coleman – D Smoke – Cameron Graves – Terrace Martin – Ryan Porter – Kamasi Washington
Kamasi Washington llegó a la fama después de ser parte de la banda que acompañó a Kendrick Lamar en su galardonado To Pimp a Butterfly (2015), para luego cimentar su importancia como genio del saxofón en su debut discográfico, un álbum triple de casi tres horas de duración apropiadamente llamado The Epic (2015). A continuación, Heaven and Earth (2018) siguió expandiendo sus límites durante dos horas y veinte minutos; una obra más arriesgada, pero igual de compleja.
Su nuevo disco es su trabajo más enfocado (¡solo hora y media!), quitando protagonismo a los largos pasajes instrumentales reflexivos por un sonido que no busca tanto la trascendencia inmortal, sino una más terrenal: la fiesta, la diversión. Niños, quizás ustedes eran muy pequeños, pero hubo un tiempo donde la perspectiva que se tenía del jazz era música más bailable que complicada. Ahora que Kamasi ha dominado la técnica del género, quiere pasarlo bien con ella, creando un hilo conductor que muestra la historia que termina forjando su arte.
El espectro abarca desde jazz bailable hasta el hip-hop más desenfrenado. Para esto, su autor armó una banda concisa —hay hasta dos baterías sonando al mismo tiempo, sin contar otras percusiones— con una de las listas de invitados más impresionantes del año, incluyendo al legendario George Clinton (‘Get Lit)’, su primo Thundercat (‘Asha the First’), André 3000 en las flautas (‘Dream State’) y el compositor Brandon Coleman en ‘Computer Love’, un cover de la banda de funk Zapp.
Fearless Movement es una combinación entre el Bitches Brew de Miles Davis y el funk de las películas de blaxploitation de los ‘70, con un toque de Debussy (si viviera en el espacio). Hay que cerrar el estadio; sólo los genios hacen este tipo de cosas. Y, más importante aún, los genios también merecen pasarlo bien.
– Alex Miranda H.
Lives Outgrown
Artista: Beth Gibbons
Fecha de estreno: 17 de mayo
Discográfica: Domino
Producción: Beth Gibbons – James Ford
El primer disco en solitario de Beth Gibbons en más de tres décadas de carrera es, por lejos, una de las cosas más bellas que dejó el 2024. Uno de esos álbumes que, si bien suelen darse muy a menudo en el mundo del chamber pop, tienen una magia especial que puede hacerlos únicos.
Mucho de ello se debe al esfuerzo no sólo de la propia Beth, sino también de quienes colaboran como productores para hacer posible que el sonido y la estética de este trabajo queden bien impresos. James Ford logra armar este puzzle de buena forma, pero con la ayuda clave de Lee Harris, ex-baterista de Talk Talk que impregna la esencia de su antigua banda en estos arreglos. Se siente la tensión en las secciones de cuerdas, crescendos que dan paso a momentos catárticos, mientras que la guitarra va guiando el ritmo y la melodía principal toma cierto aire íntimo que permite conectar de mejor forma con la interpretación vocal.
Las letras son potentes y acompañan de buena manera las composiciones del álbum. “I’m floating on a moment / Don’t know how long / No one knows, no one can stay / All going to nowhere / All going, make no mistake”, canta ‘Floating on a Moment’ mientras va construyendo una sensación de vacío. Cada cosa que ofrece el disco atrapa al oyente, hasta llegar a la magistral ‘Whispering Love’: uno de los mejores cierres del año, una bella balada acústica que baja y luego sube con suavidad, como si el oyente estuviera recorriendo un pueblo antiguo en busca de reposo.
Lives Outgrown es un inmenso trabajo de parte de todo un equipo, pero sobre todo de su autora. Beth Gibbons entrega una obra cautivante, con arreglos hermosos, que no tiene nada que envidiar a otros exponentes del género.
– Pablo “Alga” Rojas
Permanent Pleasure
Artista: Joywave
Fecha de estreno: 17 de mayo
Discográfica: CultCo Music
Producción: Daniel Armbruster
Desde el inicio, Permanent Pleasure es una iniciativa admirable: tras quince años de furibunda carrera, una banda en continuo ascenso decide que su quinto álbum sea una oda a su ciudad natal, Rochester. Así queda confirmado en la intro de ‘Graffitti Planet’, el track que abre la obra. Pero basta con escarbar un poco para descubrir una de las sorpresas más inesperadas del 2024.
Éste es un disco de tres caras. Primero está la cara visible: música jovial, un sonido pop rock moderno, que a su vez usa esa frescura para hablar sobre miedos (‘Scared’), ansiedades (‘Hate To Be A Bother’) y sobre estar listo después de mirar el abismo (‘Swimming In The Glow’, abierta a múltiples interpretaciones). No es difícil notar que este registro muestra un grupo en estado de gracia, que puede tomar una simple historia sobre viajar en avión y transformarla en un monstruo en clave dream pop, como ocurre con la enorme ‘Dreamweaver 787’.
Luego viene la cara audiovisual, y aquí es donde ‘Brain Damage’ merece mención aparte, ya que su tono apocalíptico (“Well the world is getting warmer every day / And the asteroid’s already on its way”) es la transición perfecta para un corto de 18 minutos que Joywave publicó en su canal de YouTube: una historia que usa Permanent Pleasure como banda sonora para el fin del mundo. Alternativamente, podemos usar la descripción de la banda: “This may be the longest feline centric film shot on Kodak in cinema history, but as Rochester, New York natives we wouldn’t have it any other way”.
Pero, al mismo tiempo, hay una cara adicional escondida entre líneas. Permanent Pleasure dice hablar de una ciudad pero a ratos habla sobre un país entero, con todo lo que aquello implica: desde crecer soñando con llegar a tocar en un late show (como cuenta la última pista con su eterno título) hasta conjeturar lo que ocurriría si hoy volviera Jesucristo, el “Number One American” (‘He’s Back!’). Y luego está ‘Sleepytime Fantasy’, tal vez la mejor canción jamás escrita sobre la epidemia estadounidense de violencia con armas de fuego. En suma, un disco con múltiples intenciones, que sólo crece con cada escucha.
– Seba Amado C.
Dime precioso
Artista: Álex Anwandter
Fecha de estreno: 24 de mayo
Discográfica: 5AM
Producción: Álex Anwandter
Álex Anwandter nos regaló en 2024 un álbum bailable, una fiesta gay persistente, una discoteque que te transporta por un breve periodo a una comunidad, una pareja con la que te amas y mantienes relaciones. Es, sin duda, su disco “homosexual party”, algo que nos había mostrado antes pero que aquí pone al frente.
Toda la primera mitad de esta placa, con temas como ‘Gaucho’ o ‘Paris, tal vez?’, rescata esa electrónica más noventera de exponentes como Technotronic, acercándola al nu-disco con líneas de bajo y sintetizadores que van ejecutando melodías pegadizas.’QTDE’ es una película erótica hecha canción, con ciertos toques melancólicos; amo ese contraste entre “Bebé, ven a verme y nos damos unos besos” y la parte final del estribillo que dice “Me tiro desde el quinto piso, me quiebro un poco más el corazón”. El resto va por esa misma línea, con una voz bastante seductora.
Si bien es redondo, Dime precioso palidece un poco en comparación con El diablo en el cuerpo (2023). Dicho eso, estamos ante un buen trabajo de Álex Anwandter: producción pulcra, siguiendo la línea que iba trazando en su predecesor, y buenas composiciones. En definitiva, Álex la sigue rompiendo.
– Pablo “Alga” Rojas
BRAT
Artista: Charli xcx
Fecha de estreno: 7 de junio
Discográfica: Atlantic Records
Producción: A. G. Cook – Cirkut – Finn Keane – George Daniel – Charli XCX – Gesaffelstein – Hudson Mohawke – El Guincho – Jon Shave – Linus Wiklund – Omer Fedi
Después de ver a Charli XCX intentar de tantas formas entrar al mainstream musical, es extraño presenciar cómo lo consiguió, en vivo y en directo, con el que ni siquiera es su mejor disco. Pero lo que hace de BRAT el álbum del 2024 no es solo su música, llena de referencias al techno noventero y la música bailable underground inglesa, sino también una combinación de honestidad para con la fama y una de las campañas de marketing más simples y exitosas de las que se tenga memoria.
Si su trabajo anterior (CRASH, de 2022) buscaba la popularidad tratando de apelar a la mayor cantidad de público posible, BRAT es una respuesta a esa idea, olvidando las expectativas ajenas y entregando un sonido del que Charli es fan. En estos tiempos la honestidad es una de las divisas más importantes del arte, y la aptitud de la cantante se nota cuando la escuchas entregar esa dosis necesaria en una canción que no deja de ser pop simple y entretenido.
Las letras del disco son una de sus cualidades más destacables. A estas alturas una obra donde la narrativa sean quejas asociadas a la fama puede ser considerado un cliché poco imaginativo, pero la elección de palabras —y sobre todo la actitud de la intérprete— hace que sus historias y metáforas sean vistas menos como un intento de autovalidación y más como un cuestionamiento íntegro de las relaciones sociales y cómo estas se ven afectadas por la sobreexposición, las drogas y el ego.
Esa misma honestidad es la que ayudó a que la publicidad de BRAT fuera tan efectiva. Pero, si bien la tipografía simple y el verde de fondo se hicieron rápidamente icónicos, su efecto no pudo traspasarse a todas las esferas. Es más: el bochornoso tuit de la cantante que decía que “Kamala is Brat” es visto por muchos fans como “el fin del Brat summer”.
No obstante, es innegable que pese a eso el álbum consiguió ser uno de los hitos más importantes del pop de los últimos tiempos, tanto así que no solo su versión original nos dejó temazos, sino que también su entrega deluxe Brat and it’s the same but there’s three more songs so it’s not nos dio el hitazo ‘Guess’ (con Billie Eilish). Incluso su disco de remixes Brat and it’s completely different but also still brat nos regaló una de las canciones del año: ‘Girl, So Confusing’ junto a Lorde.
Tan fuerte fue toda la situación que vale recordar el ruido de la pista central de la Blondie cuando esa última canción apareció en una fiesta BRAT celebrada la misma semana que se estrenó. Los fans de Charli sabemos que musicalmente este no es el peak de la inglesa, pero es imposible no estar felices por ver, después de más de una década de espera, el merecido ascenso de una artista que desde hace tiempo sabíamos que era especial.
– Alex Miranda
Mid Spiral
Artista: BADBADNOTGOOD
Fecha de estreno: 30 de julio
Discográfica: XL Recordings – Innovative Leisure
Producción: BadBadNotGood
A veces la costumbre impide apreciar completamente la anomalía. Por ejemplo, a estas alturas ya es tan recurrente ver el nombre de BADBADNOTGOOD en diversos festivales a lo largo del planeta (nuestro país incluído) que es necesario dar un par de pasos atrás para realmente tomarle el peso a lo improbable de que una banda canadiense de jazz instrumental reciba semejante nivel de atención a nivel mundial
Por supuesto, aquello tiene una explicación bastante simple. Basta ver la lista de colaboraciones del trío norteamericano. Tyler, Kendrick, Doom y Killah son credenciales más que respetables para explicar el fenómeno y, al mismo tiempo, respaldo suficiente para hacer lo que uno quiera. Por ejemplo, grabar espontáneamente tres suites en el transcurso de una semana (Chaos, Order y Growth) y publicarlas como un disco (primero en versión digital, y meses después en formato físico).
El deleite comienza desde el primer minuto de ‘Eyes On Me’, la canción que da inicio a Mid Spiral. Los nombres de sus partes podrían sugerir un calculado trabajo conceptual, pero esto es todo lo contrario: una demostración patente del brutal nivel en que está operando BADBADNOTGOOD hoy en día, tanto a nivel creativo como de ejecución. Una anomalía que, sin mayores aspavientos, no para de crecer y evolucionar.
– Seba Amado C.
epistolares
Artista: AKRIILA
Fecha de estreno: 22 de agosto
Discográfica: Lotus Records – Warner Music Chile
Producción: AKRIILA – EGO BLOY – Escesounds – Heartgaze – Klauzinho – Red Fingers – Taiko – Vinco – yopickupthephone
Las novelas epistolares son aquellas que basan su narrativa en muchas cartas que van contando las anécdotas. Un buen ejemplo de esto es la conocida novela Drácula, de Bram Stoker, que consigue adentrarse en la psiquis de sus personajes a través de esta herramienta narrativa, tal como Fernanda Sepúlveda propone presentarse en éste, su disco debut como AKRIILA.
El uso de su nombre real en esta reseña no es azaroso, y es que ella misma llega a poner en su álbum la pregunta “Pienso seguido, ‘Fernanda Sepúlveda, ¿es hueona?’”, dando a entender que esta obra no está sólo dirigida al oyente. Quizás ése ni siquiera sea el destinatario final, sino que lo sea la propia cantante buscando analizar su contexto a través de anécdotas que ni siquiera ella entiende bien, pero que al menos tiene la habilidad de plasmar de forma perspicaz e ingeniosa en sus letras.
Si bien AKRIILA venía de un EP más lanzado al trap, en epistolares da también un salto adelante en cuestión de música, buscando ampliar su espectro sonoro a más tipos de pop urbano, desde baladas más calmadas a beats que colindan con el techno más duro. Nota aparte es el final con ‘carta a mi papá’, que termina de aclarar que la propuesta de esta placa, por más simple que parezca, es una de las más efectivas del 2024.
No hay que olvidar que dentro del género urbano es complicado encontrar trabajos que puedan defenderse por sí solos como discos, y no como una colección de pistas bien producidas. Al final, el acierto más importante de epistolares no es sólo tener grandes canciones, sino agruparlas de una forma que se sienta tan natural como un diario de vida o una novela epistolar bien hecha.
– Alex Miranda H.
Romance
Artista: Fontaines D.C.
Fecha de estreno: 23 de agosto
Discográfica: XL Recordings
Producción: James Ford
¿El peor disco de Fontaines D.C. desde que deslumbraron en su debut con ‘Big’? Puede ser, si es que vamos a mantenernos en la vereda post-punk de Irlanda. ¿El mejor disco de Fontaines D.C, higienizado sonoramente a un formato en que los normies recuperamos la fe en el ultrajado concepto del rock y las bandas tradicionales? Sin duda.
Cuando ‘Starbuster’ fue lanzado como promo y pista de Romance, las expectativas fueron demasiado altas. Un nu-post-happy-punk con ahogo incorporado, que prometía darnos esa granada para lanzar a todo lo que urgía ser quemado. Pero, ¿no hemos visto en estos meses cómo entramos en un conservadurismo inevitable, cómo la avanzada fascista gana terreno y aquel sentir de querer quemarlo todo se ve sedado entre tendencias y exceso de videos de Internet, incluso con un genocidio latente pasando?
A veces las bombas son sigilosas, a veces las barricadas tardan en prender. Lo que logró Grian Chatten en Romance es no dejarnos olvidar que somos miserables, pero nos invita a buscar en rincones poco comunes algunas nuevas formas de hacer armas de destrucción: el romance, que no es un vínculo sexoafectivo, sino un lugar, un momento, son personas, personas que mantienen la idea del fuego aunque tarde en prender. Y mientras su discurso nihilista cantado tomó terreno, la banda se entregó a una exploración ingenua de sintetizadores y riffs… ¿Inofensivos? Debatible. Ya sabemos que para entrar a Troya se necesitó un caballo. En mi opinión, para el post-punk incendiario contra-iglesia-y-tradición, se necesitó un cambio de look y un disco indie pop.
Ahora todos estamos sedientos por “uno de los discos del año”; un primer paso para muchos que encontramos en este catálogo de carácter el monumento discursivo que tanto nos venía haciendo falta. Veremos qué pasa en el futuro, en qué se transforman las súplicas al mundo moderno de la aplaudida placa en este interesante mapa llamado Fontaines D.C. Por el momento, una jugada maestra: el regreso del formato banda de rock a las listas de buen gusto y una serie de hits instantáneos.
– Barbara Carvacho
Imaginal Disk
Artista: Magdalena Bay
Fecha de estreno: 23 de agosto
Discográfica: Mom + Pop Music
Producción: Mica Tenenbaum – Matthew Lewin
En Revista Matadero las locuras se agradecen y se celebran, y probablemente hay pocos discos 2024 más locos que Imaginal Disc de Magdalena Bay. El dúo de Los Angeles llegó para recordar los mejores tiempos de los discos conceptuales, donde la idea central es vaga o no tan clara. En este caso, se trata de la historia de True, un personaje al que se le implanta un CD en el cerebro para transformarse en una versión ideal de sí misma. Como La Sustancia, pero lleno de teclados y música disco electrónica.
Si su anterior disco, Mercurial World (2021), proponía canciones con un formato pop más clásico, se nota que en esta nueva entrega la banda quería experimentar con las formas y los géneros. Desde el pop de Caroline Polachek o los momentos más experimentales de Charli XCX, pasando por claros referentes como Grimes, ABBA y Electric Light Orchestra, hasta desembocar en el rock psicodélico de Pink Floyd. Y eso sin mencionar las claras referencias que tienen los videos de este disco a los trabajos de Peter Gabriel.
Más allá de que esta música es claramente pop, las comparaciones con otros artistas del género no son antojadizas, y es que el ya mencionado concepto del álbum de buscar una mejor versión de sí mismo tiene un giro argumental: el cuerpo de la protagonista rechaza esta “actualización” representada por el imaginal disc, por lo que tiene que tiene que aprender a ser humana de nuevo. En ese proceso, hay canciones sobre la autopercepción, el cambio y la performance que tenemos que llevar a cabo en el mundo actual. El disco toma todo lo optimista del pop moderno y le inyecta la paranoia cínica de nuestros tiempos, todo con estética vaporwave y de Windows XP ¿Cómo decirle que no a eso?
– Alex Miranda H.
On the Intricate Inner Workings Of The System
Artista: The Bug Club
Fecha de estreno: 30 de agosto
Discográfica: Sub Pop
Producción: Tom Rees
The Bug Club debe ser una de las cosas más raras que ha aparecido en la escena músical mundial en el último tiempo. Si bien la combinación de canciones pop a medio camino entre el punk y el sonido “indie” no es nuevo, e incluso su sarcasmo descarnado es compartido con bandas como Gustaf, el dúo de Gales posee algo que sus contemporáneos no tienen: una increíble capacidad de crear arte desde un lugar que no parece forzado.
Escuchando las once canciones que tiene este disco de nombre ridículamente largo (según su portada, el nombre real es On the Intricate Inner Working of the System by Means of Popular Music or the Contemplation of Pretty Faces, Tinned Bubbles and Strife), que se resumen en 26 minutos de música, saltan a la mente bandas como Buzzcocks, B-52s, Modern Lovers y, sobre todo, la lírica completamente mordaz de Mark E. Smith de The Fall. Podríamos estar todo el día enlistando versos para demostrar este punto, pero por temas de espacio nos limitaremos al comienzo de ‘We Don’t Care About That’: “Blah blah Blah blah / Algo sobre libros / Viste los precios del petróleo? / Estoy temblando / No nos importa eso”. Simple, directo y, a diferencia de las sátiras a las que estamos acostumbrados, esto es algo nuevo, que se burla de todo y de nada a la vez.
No es fácil poner en palabras lo extraño pero genuinamente disfrutable que es este disco, pero probablemente lo más rescatable son sus letras, simples e ingeniosas (una palabra que parece haber sido creada para describir a The Bug Club). Un buen ejemplo es el ya mencionado nombre “completo” de esta obra: largo, pomposo, y a primera vista vanidoso, se resignifica con la última canción del disco, donde el dúo explica a que se refieren con los mecanismos intrínsecos del sistema: “Es más grande que tú / Así que deja de decir estupideces / Sobre el sistema / El maldito sistema / Los mecanismos intrínsecos del sistema”. Lo que en su momento parecía un ejercicio petulante termina siendo todo lo contrario. Un ataque a la pedantería que acecha hoy en día. Todo mientras cantan sobre cervezas y parecerse a James Bond.
– Alex Miranda H.
Wild God
Artista: Nick Cave & the Bad Seeds
Fecha de estreno: 30 de agosto
Discográfica: PIAS
Producción: Nick Cave – Warren Ellis
En un comienzo este disco se iba a llamar Joy, pero después de meditarlo un poco Cave decidió que podía ser un título engañoso. A pesar de lo que nos diga la versión en español de la película Inside Out, “Joy” no significa alegría. La traducción de “Joy” es dicha. Wild God apunta a buscar la dicha en las vidas rotas y serpenteantes que vivimos, sin que eso signifique negar u omitir lo malo, sino lo contrario: encontrar la dicha dentro de ese mal.
Después de Push the Sky Away (2013), Nick Cave consiguió un extraño salto a la fama que poco tiene que ver con hacer su sonido más accesible; es más, en sus siguientes trabajos (Skeleton Tree, Ghosteen y su tercer álbum solista, CARNAGE) buscó hacerlo aún más difícil de digerir, dejando que la oscuridad de la muerte de dos de sus hijos inundara esas obras. Su fama llegó por hacer accesible su emocionalidad, compartir sus ideas en su newsletter y, sobre todo, hablar de la mortalidad y el duelo. Ahora, después de casi una década dedicado a ser el heraldo de estos sentimientos, Cave ha decidido que es tiempo para la dicha.
Hace 40 años el compositor lanzó su primer disco junto a los Bad Seeds, From Here to Eternity, que abría con un cover de ‘Avalanche’ de Leonard Cohen, enfocando toda la oscuridad de esa canción en su propuesta. Ahora Cave decidió que esa avalancha sombría no tenía que ser necesariamente el foco musical, y en esta obra toma un sonido mucho más impresionista y cercano al gospel (incluso usando instrumentos típicos de iglesia) para que el oyente caiga de rodillas ante sus revelaciones. Un llamado a buscar la dicha, pero sin dejar de mirar de reojo el duelo, la emoción que inspiró un trabajo que puede ser visto como explícito en su cristianismo pero diferente desde su perspectiva de la fe.
¿Pero acaso Nick Cave no ha hecho desde siempre discos cristianos? Por más que tenga opiniones cuestionables sobre Israel o la monarquía, si algo nos ha enseñado es que no siempre tenemos que estar de acuerdo para respetarlo. No importa cuál es tu religión ni tus opiniones: todos sentimos culpa y dolor. Por eso, y por esta vez, Cave decidió cambiar el Dios del Antiguo Testamento que imperaba en sus discos más conocidos, y reemplazarlo por uno mucho más cercano al del Nuevo Testamento.
– Alex Miranda H.
Manning Fireworks
Artista: MJ Lenderman
Fecha de estreno: 6 de septiembre
Discográfica: Anti-
Producción: MJ Lenderman – Alex Farrar
“¿Cuántos caminos tiene que recorrer un hombre antes de aprender?” es una de las pocas frases que han tenido el poder de pararme en seco, simplemente por su profundidad y, al mismo tiempo, por lo sarcástica que puede sonar. Hoy en día la experiencia masculina es algo extrañísimo: un cúmulo de influencers diciendo cómo ser un verdadero hombre, falta de comunicación con el sexo femenino, consumo (pasivo o activo) de pornografía y mucha soledad aplacada por las pantallas. No es una vida difícil, pero sí una vida que puede terminar con facilidad en actitudes tóxicas.
Según este disco, la masculinidad en general también tiene otros puntos en común: música de guitarras, jugar videojuegos hasta tarde, contemplar durante el post-nut clarity, esa vez que tu padre te llevó de mochileo al sur (o en mi caso, al Valle del Elqui). Es complejo retratar todo eso en canciones, y es por eso que el cuarto disco de MJ Lenderman pega tan fuerte, ya sea que el oyente sea hombre o de otro género.
Manning Fireworks tiene la habilidad de ser una sátira de esta masculinidad moderna sin perder de vista la empatía por estos personajes perdedores, porque es posible que todos nosotros hayamos sido uno de ellos en algún momento. Canciones sobre divorcio (‘She’s Leaving You’), sobre la validación a través de lo material (‘Wristwatch’) o sobre el deseo de eventualmente madurar mientras jugamos Guitar Hero en nivel experto (‘Bark at the Moon’), todo envuelto en una sonoridad que conjuga el country gringo con aquello descrito como slacker rock. Como si Wilco o Neil Young estuvieran analizando con sus ojos críticos esta problemática actual. Bien lo dice el meme: “¿Es MJ Lenderman la cura para la epidemia de soledad masculina?”.
– Alex Miranda H.
The New Sound
Artista: Geordie Greep
Fecha de estreno: 4 de octubre
Discográfica: Rough Trade
Producción: Seth Evans – Geordie Greep
“Alucinante” es una palabra que rara vez se utiliza al hablar de música. Algo debe chorrear unicidad para siquiera considerar el adjetivo. Pero en el caso de The New Sound, el debut en solitario de Geordie Greep, alucinante no basta para describir este monstruo avant-garde.
El virtuosismo es evidente desde el principio: el ex frontman de black midi juega a su antojo con los códigos de estilo, tomando elementos de una vasta repisa de opciones. Hay vals, jumping blues, rock, swing, pop en clave ochentera… Pero, al final del día, el aspecto sonoro es sólo un telón de fondo para un opus escrito con una pluma incisiva, crítica y mordaz. Y si bien hay versos dedicados al estado del mundo (‘Terra’), el verdadero blanco está claro: la actual cosecha de machitos red pill.
Greep deconstruye y destruye la incapacidad de esa camada para relacionarse con el género femenino. Repasa las mentiras de los Andrew Tate de este mundo (‘Holy, Holy’), la paranoia oficinista al pagar por sexo durante el almuerzo (‘Walk Up’), los sueños del hombre moderno de hacer la gran Pretty Woman (‘As if Walz’). Quién sabe: quizás en el futuro haya testimonios de quienes encontraron en Geordie Greep un antídoto para la infección que les corroía el seso. Eso sería alucinante.
– Seba Amado C.
Absolute Elsewhere
Artista: Blood Incantation
Fecha de estreno: 4 de octubre
Discográfica: Century Media
Producción: Arthur Rizk
De un tiempo a esta parte ha habido un resurgimiento del old school death metal. Sin embargo, dentro de esa escena, ninguna banda suena como la combinación que Blood Incantation está logrando. Podríamos decir que Absolute Elsewhere es uno de los discos que con más éxito ha conseguido fusionar el death metal con el ambient y el progresivo más clásico, pero eso sería quedarse corto. No solo se puede escuchar a Morbid Angel y a Pink Floyd en estas seis nuevas canciones: a momentos también es posible dilucidar a los Yes más psicodélicos o al rosado debut de Rush.
Blood Incantation ya había llamado la atención con Hidden History of the Human Race (2019), que tenía un imaginario mucho más cercano a los aliens y las conspiraciones sazonadas con riffs crujientes. Ahora la apuesta fue avanzar hacia los extremos de los géneros que combina, con una obra dividida en dos secciones: The Stargate y The Message, que a su vez se subdividen en tres canciones —o tabletas—. Esta categorización hace que parezca un todo conciso, pero cada track tiene su propio formato, lo que transforma a Absolute Elsewhere en un laberinto donde es posible perderse entre cambios de texturas y cerradas curvas musicales.
‘The Stargate [Tablet I]’ tarda menos de tres minutos en mostrar el nivel de guitarras que se puede esperar en este disco, junto con pasajes psicodélicos que a ratos se parecen más a Los Jaivas que a los mencionados Pink Floyd. ‘The Stargate [Tablet II]’ cuenta con la participación de Tangerine Dream, otra de las bandas esenciales de las que bebe Absolute Elsewhere. Y todo termina con ‘The Message [Tablet III]’, una suite de 11 minutos y medio que pasa por la calma y el éxtasis. Una muestra de los universos que puede crear la música metalera, universos donde los riffs conviven libres sin regirse por las opresoras leyes del mundo terrenal del metal.
– Alex Miranda H.
«NO TITLE AS OF 13 FEBRUARY 2024 28,340 DEAD»
Artista: Godspeed You! Black Emperor
Fecha de estreno: 4 de octubre
Discográfica: Constellation
Producción: Jace Lasek
Decir que un disco de Godspeed You! Black Emperor es denso, es un cliché gastado. Pero en esta ocasión no está de más, porque el mero nombre advierte una obra llena de sombras, publicada en medio de un año en que el genocidio pareció estar de moda.
“NO TITLE AS OF 13 FEBRUARY 2024 28,340 DEAD” hace directa referencia al reporte de bajas registradas en ese momento en la Franja de Gaza, debido a los constantes ataques de cierto “estado” que continúa usando a un supuesto grupo terrorista como justificación para su limpieza étnica. Por ende, la música que la banda usa para reflejar semejante título es oscura: acordes graves constantes, sonido drone (aprovechando el juego de palabras con el principal elemento que vuela sobre Palestina e Israel) y, sobre todo, tensión a través del violín de Sophie Trudeau. La manera en que repiten una serie de acordes en un crescendo te hace pensar que viene un tanque que busca exterminar tu ciudad; un reflejo del miedo constante de la guerra.
‘RAINDROPS CAST IN LEAD’ incluye un spoken word en español que refleja la muerte en medio de los conflictos: “Las que trataron y fueron asesinadas por tratar, las que murieron jóvenes, enfurecidas o viejas, y nunca vieron el amanecer. Inocentes y niños y los pequeñitos cuerpos que rieron y luego quedaron dormidos para siempre, y nunca vieron la belleza del amanecer”.
Este álbum es oscuridad, acorde al tiempo que estamos viviendo y a un conflicto que sigue, y que con los anuncios de Donald Trump no tiene pinta de parar. La cifra ya aumentó, los muertos siguen, y esta banda sonora refleja que estamos ante el peor momento de la humanidad: cuando se justifica el genocidio con tal de sentirse moralmente en lo correcto ante un Dios… O un país aliado.
– Pablo “Alga” Rojas
Propaganda
Artista: Propaganda
Fecha de estreno: 11 de octubre
Discográfica: Bureau B
Producción: Michael Mertens
La de Propaganda es una de esas historias que merecen libros y documentales. Una historia synth pop, pero con un origen más crudo: Die Krups, la primera banda industrial de la escena alemana. Uno de sus fundadores, Ralf Dörper, es quien decide armar un proyecto paralelo en 1982 para experimentar con otros sonidos electrónicos e influencias new wave.
Con dos discos publicados (A Secret Wish en 1985 y 1234 en 1990), la carrera de este ensamble ha tenido pausas, reinicios, idas, venidas. Su formación ha cambiado una y otra vez, pero siempre con la constante presencia de al menos uno de sus dos miembros fundamentales, Dörper y Michael Mertens. Y pese a esa evidente inestabilidad, su influencia en la escena electrónica ha sido una constante. Propaganda es uno de esos secretos que corren de boca en boca, uno de esos nombres que se suelen describir como “la banda favorita de tu banda favorita”, al punto que Martin Gore de Depeche Mode estuvo involucrado en un posible regreso a fines de los ‘90 que nunca llegó a puerto.
Tras más variopintas formaciones y una edición especial de su debut, todo indicaba que esta historia estaba destinada a perderse en la neblina de la nostalgia hasta que el 2024, de la nada, llegó ‘Purveyor of Pleasure’, el primer adelanto de esta obra homónima lanzada en octubre. No hubo anuncios rimbombantes ni grandilocuentes campañas de marketing de por medio. Sólo el combo de Dörper y Mertens, reunido para hacer las cosas bien por primera vez en más de tres décadas. Puede que nunca antes hayas escuchado a Propaganda, pero es posible que este disco sea una de las mejores noticias que tu banda favorita recibió el año pasado.
– Seba Amado C.
CHROMAKOPIA
Artista: Tyler, The Creator
Fecha de estreno: 28 de octubre
Discográfica: Columbia
Producción: Tyler Okonma
Tyler, The Creator se hizo conocido como un niño terrible del rap en su paso por Odd Future y sus primeros trabajos, pero también se sabe que hace unos años hubo un quiebre importante en sus rimas. Si bien al comienzo buscaban escandalizar, avanzaron a un sonido más digerible e increíblemente introspectivo, hablando de sus inseguridades, sus deseos e incluso dejando ver de forma velada una sexualidad mucho más fluida de lo que sus antiguos versos homofóbicos podrían mostrar.
El cantante tiene ya tantos trabajos distintos que se puede dar el lujo de crear un disco entero como CHROMAKOPIA, centrado en su propio imaginario. Esta es la combinación de ambas cosas: el artista problemático y el artista introspectivo, todo en un mismo álbum que a ratos se siente profundamente inestable y volátil.
Aquí sus inseguridades (la falta de madurez, la paternidad tanto suya como de su padre, el miedo a los fans desquiciados) hacen que se vea a una persona mucho más conflictuada con su existencia y lo que ha creado. Esto se refleja en la increíble cantidad de géneros musicales que adopta indiscriminadamente, desde las guitarras de ‘Noid’ que terminan en una suerte de balada de piano, hasta el beat saltarín de ‘Darling, I’ o la sexualmente explícita ‘Sticky’ con su sonido de banda de marchas.
Líricamente, muchas canciones comienzan en un lado y terminan en otro. ‘Judge Judy’ comienza con una temática abiertamente sexual y termina en ideas suicidas. ‘Take Your Mask Off’ comienza rapeando desde el punto de vista de un homofóbico que en realidad es un homosexual closeteado, cambia a una ama de casa con dinero pero infeliz y termina hablando de nuevo del cantante.
Tal vez el mejor ejemplo es ‘Like Him’, donde Tyler comienza a hablar de su padre, un tema con el que ha lanzado dardos desde el comienzo de su carrera, para terminar con un audio de su madre diciendo que es culpa de ella que no lo conozca. Un plot twist en el lore y contexto del artista que sirve como metáfora perfecta para CHROMAKOPIA: un plot twist en su discografía.
– Alex Miranda H.
Songs of a Lost World
Artista: The Cure
Fecha de estreno: 1 de noviembre
Discográfica: Fiction – Polydor
Producción: Robert Smith – Paul Corkett
The Cure está de vuelta. Tras más de una década girando y tocando en vivo luego del fiasco que fue 4:13 Dream (2008), por fin sacaron el nuevo disco de estudio que venían prometiendo hace bastante rato.
Cuando vinieron a Chile en su última gira, en noviembre del 2023, adelantaron parte de lo que sería este álbum con dos tremendos y atmosféricos temas: ‘Alone’ (con que abrieron el concierto) y ‘And Nothing Is Forever’. Ambos mostraban mucho potencial, sobre todo por los teclados y las capas que traían los arreglos de Roger O’Donnell (quien en esa gira no pudo venir por su linfoma). Baterías con buen swing y una síncopa bien ejecutada contribuyeron a aumentar la fe.
En contraste con su sonido en vivo, el único punto negativo del disco está en la mezcla y la producción. Se nota en demasía la mano de Robert Smith en las compresiones y ciertos aspectos que terminaron dañando la masterización, sobre todo en las baterías de las dos canciones ya mencionadas. Sin embargo, eso pasa a quinto plano gracias a composiciones muy bien hechas. Acá hay cariño y amor al trabajo realizado.
Hay presencia del bajo (‘A Fragile Thing’), atmósferas lúgubres (‘Drone:Nodrone’, ‘I Can Never Say Goodbye’), y ni hablar de la extensa ‘Endsong’ que por unos minutos nos lleva de vuelta al sonido clásico de The Cure. Songs of a Lost World marca un gran regreso para un ensamble que hace mucho trascendió su rol de pilar fundamental del rock gótico de los ‘80 para posicionarse como una de las bandas más importantes de los últimos cuarenta años.
– Pablo “Alga” Rojas
GNX
Artista: Kendrick Lamar
Fecha de estreno: 22 de noviembre
Discográfica: pgLang – Interscope
Producción: Kendrick Lamar – Jack Antonoff – Craig Balmoris – Bridgeway – Dahi – Deats – Noah Ehler – Frano – Juju – Kenny & Billy – Rose Lilah – Tim Maxey – Sean Momberger – M-Tech – Mustard – Rascal – Sounwave – Tyler Reese – Tane Runo – Kamasi Washington
¿Por dónde empezar hablando del tremendo 2024 de Kendrick? No solo destruyó a Drake en su polémico y farandulero feudo con ‘Not Like Us’ —una canción que terminó ganando Grammys mientras llamaba pedófilo a su enemigo—, sino que también consiguió ser el show de medio tiempo del Super Bowl. Hasta hizo un concierto histórico donde unió a dos de las pandillas más enemistadas de Los Angeles, California.
Parecía que Lamar no necesitaba nada más para mostrar su estatus como —en palabras de Tyler en su canción ‘Rah Tah Tah’— el más importante rapero actual, pero todo eso no era suficiente. Así es como llegó un disco sorpresa, con tan solo 10 minutos de anticipación desde su anuncio a su estreno: GNX, llamado así por el peculiar automóvil en que el padre de Kendrick lo llevó del hospital para la casa cuando nació.
Hay un giro enorme desde el autocrítico Mr. Morale & the Big Steppers (2022), cambiando el cuestionamiento interno por una narrativa de “merezco todo esto”. Después de sus triunfos, Kendrick lanza un álbum que trata sobre lo genial que es; algo que puede molestar a varios, pero que termina por basarse en hechos comprobables.
No hay suficiente espacio en este artículo para comentar todas las maravillas de GNX, pero entre cada una de las rimas descarnadas que hablan de acabar con sus enemigos hay un montón de producción que elevan el sonido West Coast: desde las baladas g-funk (‘luther’, ‘dodger blue’), pasando por canciones derechamente llenas de odio (‘wacced out murals’, tv off’), hasta himnos tan grandes como la vida misma (‘reincarnated’, heart pt.6’). Es impresionante como hasta la entrega más simple y directa de Kendrick Lamar termina eclipsando a los demás discos de rap lanzados en un año específico.
– Alex Miranda H.
Nobody Loves You More
Artista: Kim Deal
Fecha de estreno: 22 de noviembre
Discográfica: 4AD
Producción: Kim Deal – Steve Albini
No es secreto que Kim Deal es una música extraordinaria, pero casi pareciera que lo fuera. Sin importar lo fundamental de su rol como parte de Pixies o su tiempo como frontwoman en The Breeders y The Amps, nunca han faltado escépticos que le bajen el perfil a sus logros (por supuesto, con una cuota importante de machismo de por medio).
De cierta forma, eso hace aún más rotunda y satisfactoria la bomba que es ‘Nobody Loves You More’, canción que abre y bautiza este álbum. Tras casi cuatro décadas de carrera (y a 12 años de su single debut como solista, ‘Walking with a Killer’), Deal firma por primera vez un largaduración con su nombre y, en el proceso, aniquila cualquier duda que pudiera quedar tanto sobre su capacidad creativa como sobre su influencia en las camadas más jóvenes. No es gratuito que integrantes de Savages, Teenage Fanclub y Raconteurs sean algunos de los colaboradores invitados en esta obra.
Se necesitaron trece años de trabajo para poder recopilar una vida entera de experiencias (es imposible escuchar ‘Are You Mine?’ de la misma forma después de saber que está inspirada en las palabras de su madre mientras sufría de Alzheimer). Así pues, es lógico que el resultado sea un viaje por todas las facetas de su autora, desde el rock impecable de ‘Big Ben Beat’ hasta la puesta de sol que es ‘Summerland’. Una nueva etapa dentro de una historia legendaria.
– Seba Amado C.
